viernes, 24 de mayo de 2013

Maravillas del Mundo Antiguo XII: Los jeroglíficos, el arte hecho escritura.

Jeroglíficos del Templo de Filae, los últimos de la historia.
Los jeroglíficos son la escritura de más larga vida de la Historia, además supone la base sobre la cual se mantiene la extraordinaria civilización del Egipto Antiguo. Durante casi tres mil estos jeroglíficos permanecen inalterables, como la escritura más longeva de la historia, por encima de la cuneiforme. Es la más antigua y bella de las escrituras, y como no podía ser de otra forma en la civilización egipcia está íntimamente ligada a la religión. En los centros y templos sacerdotales es donde se crearon los jeroglíficos y donde se formaban los escribas. 

Jeroglíficos del obelisco de Hatshepsut,  Karnak.
Los egipcios los llamaban mdu ntr o “palabras divinas o de los dioses”, la denominación jeroglífico se la ponen los griegos, que significa “letras sagradas talladas”. Los bellos jeroglíficos tienen un contenido claramente simbólico, religioso y mágico, las pinturas de las tumbas son muchas veces jeroglíficos de mayor tamaño pintados. De manera que, para traducir y entender jeroglíficos hay que conocer la religión y el pensamiento del antiguo Egipto, ya que se trata de una escritura tan bella como compleja y completa. La escritura jeroglífica nace a finales del IV milenio a.C. (hacia 3100 a.C.) y se mantiene casi sin cambios importantes hasta los últimos jeroglíficos del templo de la isla de Filae en el 394 d.C. Mas de 3500 años de la escritura más bella y longeva de la historia, el arte hecho escritura. Al ser representada esculpida en templos, columnas, estatuas o sobre el papiro, por los escribas, también existía una versión más rápida y sencilla para la vida cotidiana y la administración.

Dios Toth o Tot representado como un babuino, museo del Louvre.
La escritura jeroglífica egipcia fue inventada, según el mito, por el dios Toth (también inventor del calendario y que toma la forma de un babuino) y nace al tomar como modelo todas los elementos del entorno y de la naturaleza que podían servir para comunicarse (plantas o animales) y el resto de signos surgen de la simplificación. Por ejemplo los faraones se identifican con un león, si el león era el rey, medio león el príncipe, un escritura lógica y bella.

Criptogramas del Templo de Filae.
Los animales son representados con absoluta perfección en una escritura llena de plasticidad que se perpetua en el tiempo, que puede leerse de arriba a bajo o de izquierda a derecha y viceversa, otro elemento que abunda en su complejidad. En un principio los jeroglíficos eran pictogramas, signos que representan algo concreto, pero pronto se convierten en ideogramas, signos que además de representar un fonema o una letra, podían identificarse con una idea (como unas esquemáticas piernas referían al movimiento). Ver que los signos tenían esa doble faceta y que constituían un alfabeto fue el gran descubrimiento de Jean-François Champollion a partir del gran hallazgo de la Piedra de Rosetta (ver entrada Grandes Hallazgos Arqueológicos IV). 

Jeroglíficos de las columnas de la tremenda sala hipostila de Karnak.
Gracias a Champollion descubrimos que son fonogramas, signos que puede representar una letra o un sonido, además hay que señalar que en el egipcio al escribir se omitían las vocales (como en el hebreo o el árabe). Estamos ante signos que representan una cosa concreta, pero además representan un sonido y una idea, son criptogramas o ideogramas (como nuestras señales de trafico actuales). En su evolución la escritura jeroglífica incluye los llamados signos determinativos o signos que determinan el verdadero sentido de la palabra. Además la complejidad residía en que existían muchas palabras homófonas, que se escribían y tenían el mismo sonido, pero con significados totalmente diferentes. De manera que, los escribas introducían elementos aclaratorios para evitar confusiones, y diferenciar esas palabras homófonas (el determinativo de Isis es una cobra). 

El célebre escriba sentado de la Dinastia V, siglo XXIV a.C., Louvre.
Los escribas y artistas egipcios necesitaban de mucha precisión y paciencia para no caer en errores o faltas ortográficas, además la tarea se complicaba al quedar obsoletos muchos criptogramas. Por ejemplo, para los escribas del Imperio Nuevo había elementos del Imperio Antiguo que carecían de sentido, sin embargo mantenían su valor fonético.

Entrada del Templo de Isis en la isla de Filae.
Las figuras y los jeroglíficos se relacionan de forma inseparable en las tumbas egipcias, signos y figuras próximas pueden relacionarse y compararse (figura Isis siempre aparece relacionado con una serpiente o cobra). La compleja escritura egipcia, puro arte escrito, se presta a constante segundas lecturas, ya que los jeroglíficos son símbolos y contienen significados que sólo conocerían los propios escribas.

Jeroglíficos del famoso Juicio de Osiris, Libro de los Muertos.
Hay que mencionar los cartuchos con los nombres de los faraones, una forma ovalada que rodea los nombres de los reyes, viene de la palabra shen, que el símbolo de lo infinito y significa "rodear". Por lo que la idea es envolver el nombre del faraón en una protección infinita, muchos sarcófagos también adoptaron esa forma como símbolo de alargada y ovalada protección. Los nombres de los faraones, por tanto, se asociaban a la idea de universal protección infinita, el cartucho se vinculaba a los faraones como la corona a nuestras monarquías. 

Cartucho de Amenhotep II.
Los egipcios crearon la escritura más bella y artística de la humanidad, una escritura en la que se sustentó durante 3.000 años a la civilización más duradera e impresionante de la Historia. Comprendiendo sus símbolos jeroglíficos, de múltiples significados, se puede entender la religión y el arte de la gran civilización egipcia. 

Bibliografía:
E.A. Wallis Budge. Jeroglíficos egipcios. Humanitas, Barcelona, 2000.
M. Collier y B. Manley. Introducción a los jeroglíficos egipcios. Alianza, 2003.

viernes, 17 de mayo de 2013

Personajes singulares de la Historia XXI: María Antonieta.

María Antonieta retrato de Louis Élisabeth Vigée Le Brun.
La figura de Maria Antonieta de Austria es complicada de desentrañar, conocer a la verdadera joven princesa que llegó a la corte francesa a los 15 años es complejo, por los mitos, rumores e invenciones noveladas de su vida. Además para los revolucionarios era símbolo de la decadencia de la Monarquía, y para los monárquicos un ejemplo de virtud y valor, intentaremos buscar un punto medio y conocerla mejor. Maria Antonieta nace en 1755, era la hija pequeña de la emperatriz María Teresa de Austria y del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Francisco I.

María Antonieta a los 7 años, por Martin van der Meytens.
Su infancia en Viena es totalmente idílica, bajo la estricta vigilancia y educación de su madre y de su preceptor, el Abad de Vermond, que iba a reparar las lagunas en la educación de la joven archiduquesa y comenzar a prepararla para ser la fiel esposa de un rey. A los 14 años Maria Antonieta es entregada en matrimonio al Delfín Luís Augusto, el mayor de los nietos del rey Luís XV, y futuro Luis XVI, que sólo tenía un año más que ella. Este matrimonio se enmarca dentro del juego de Alianzas de las potencias absolutistas, y sellaba la alianza entre Francia y Austria, para limitar el ascenso de las emergentes potencias Inglaterra y Prusia. Por esa política de alianzas la joven archiduquesa ve como su vida se traslada de la corte de Viena a otra totalmente desconocida para ella y en un país extraño. Se le arrebata su vida y se le aparta de su familia, su país y su lengua como consecuencia de una alianza entre potencias.

Capilla Real de Versalles, lugar del matrimonio de María Antonieta.
El 16 de mayo de 1770, tras renunciar a sus derechos al trono austriaco, Maria Antonieta se desposa con Luís en Versalles. Los primeros años en la extraña, para ella, corte francesa son muy complejos, sobre todo por que su flamante marido la evita, y por la difícil adaptación al tremendo protocolo y ceremonial de la corte de Versalles. Se mantiene con fuerzas gracias a los consejos que recibe a través de las cartas que intercambia con su madre y con el embajador de Austria en París, el conde Mercy-Argenteau. Así llegamos al 10 de mayo de 1774, la muerte de Luís XV convierte a Luis XVI en rey de Francia y a Maria Antonieta en reina de la mayor potencia absolutista del momento, cuando tan sólo tenía 19 años.

Luís XVI a los 20 años.
Su vida en Versalles gira alrededor de ese tremendo y estricto protocolo (instaurado por Luis XIV) que llegaba a reunir en la corte a unas diez mil personas. Miles de sirvientes, administradores, suplicantes, espectadores... un auténtico espectáculo de absurdo derroche y grandeza. Maria Antonieta fue acostumbrándose y pronto se integro en la corte, haciéndose con un grupo de confianza de amigos como la princesa de Lamballe o el barón de Besenval. Se dedica a organizar fiestas, juegos de cartas, excursiones, bailes y obras teatrales, pero sobre todo multiplica su vestuario y despierta muchas envidias y rencores en la corte. Con su modisto personal, el célebre Rose Bertín, cuya tienda de París vestía a las damas más importantes de Francia. No tenía ningún problema ir al teatro y la opera, momento en que se acercaba al pueblo, al que entusiasmó por su belleza y cercanía. Todo lo que hacía la joven reina se convertía en moda, destacar sus aparatosos y extravagantes peinados a base de montículos de cabello, llamados poufs

El Petit Trianon, lugar fetiche de María Antonieta.
No obstante, la relación de nuestra joven reina con Luís XVI no mejoraba, no había ningún tipo de entendimiento (se dice que el matrimonio no se consumó hasta el verano de 1773), además los recelos y envidias de la corte logran agobiarla. Por lo que decide huir del encorsetado ambiente versallesco, y lo consigue gracias a su extraño marido, que le cede la llamada Petit Trianon, un pequeño palacete de campo en los tremendos jardines de Versalles. En Petit Trianon Maria Antonieta conseguía evadirse del protocolo y de las envidias cortesanas. En la corte, lógicamente, este retiro de la reina fue muy criticado, a lo que une que cambiara elementos del ancestral protocolo, como la constante presencia de dos damas de compañía en los desplazamientos por palacio o comer en público (algo que le incomodaba sobremanera). Su comportamiento en las fiestas y los juegos de cartas no era el que se consideraba correcto para la reina de Francia, pronto va a ser tildada de frívola y libertina. Pero esas criticas vienen sobre todo por cambiar y poner en duda el protocolo, que era básico para que los nobles cortesanos pudieran medrar socialmente.

María Antonieta y sus hijos.
Pese a las criticas su vida matrimonial va mejorando poco a poco, hasta conseguir el triunfo personal de dar a luz una niña, Maria Teresa, la llamada Madame Royale. Y el 22 de octubre de 1781, tres años después, alumbra un hijo barón, Luís José, el nuevo Delfín de Francia y heredero al trono. A pesar de dar herederos a Luis XVI su impopularidad fue creciendo de forma exponencial, y Maria Antonieta se centra en la construcción del Hameau en Versalles. La recreación entre 1783 y 1787 de una aldea campestre en miniatura dentro de los lujosos jardines de Versalles. Compuesta de una docena de casas agrestes en torno a un lago artificial, con lo que pretendía descubrir el mundo rural y la vida campestre. Además se dedica a la caridad y acercarse a los pobres, pero entre medias se produce el famoso escándalo del collar de diamantes, en el verano de 1785.

El Hameau de María Antonieta en los jardines de Versalles.
Un joyero parisino reclama a la reina 1,5 millones de libras por un collar de diamantes encargado en nombre de la reina por un aristócrata de la corte, el cardenal Rohan. Maria Antonieta se indignó y el cardenal fue arrestado, Rohan confesó que había sido engañado por una estafadora, la condesa de La Motte-Valois, que finalmente es condenada a ser azotada, pero el cardenal queda absuelto. La reina y la corona quedaban tocadas, Maria Antonieta era inocente pero el pueblo la considero culpable moral, y el odio hacia la reina fue creciendo. Maria Antonieta fue víctima de una falsa fama y manipulaciones, por ejemplo nunca llegó a pronunciar esa mítica frase dirigida hacia el pueblo “si no tienen pan, que coman costra de pastel”. Lo que esta claro es que su impopularidad fue creciendo a la par que el descrédito de la corona. Para el pueblo acabo siendo, de forma injusta, una derrochadora (en sus primeros años si lo fue), una adultera traidora y extranjera. 

Toma de la Bastilla, por Jean-Pierre Louis Laurent.
Así llegamos a 1789 la Revolución estalla en Francia, ante una situación insostenible de malas cosechas, saqueos, sublevaciones y tropas reales disparando sobre sublevados. Tras la convocatoria de los Estados Generales en mayo y la creación de una Constitución democrática por la Asamblea Nacional, junto asalto a la Bastilla el 14 julio, el rey no tiene mas remedio que aceptar la nueva situación. Pero los males de la corona van a seguir, en octubre de 1789 una multitud enfervorizada asaltó el palacio de Versalles, con gritos contra María Antonieta “la austriaca”. No se sabe como las pescaderas de París encontraron en el laberinto del inmenso Versalles los aposentos de la Reina. Los rebeldes pedían ver al rey y gritaban “La Reina al balcón”, y Maria Antonieta apareció en el balcón en un acto de inmenso coraje. Allí salió serena y valiente, y esa muestra de valor hizo que el pueblo acabara aclamándola, un gesto que salvaba, de momento, a la Monarquía francesa.

Galería de los espejos de Versalles.
Los reyes fueron llevados por el pueblo a Paris, Luís y Maria Antonieta se trasladaron al Palacio de las Tullerías, donde vivieron tres años. Un Palacio casi abandonado, que estaba en el centro de Paris, donde Maria Antonieta y el rey quedaron como prisioneros de las autoridades revolucionarias, que con el pretexto de proteger al rey. El coraje de la reina, de nuevo, sale a relucir al aprender una forma secreta para comunicarse con aliados fuera de las Tullerías, y convence al rey para escapar. La huida fue organizada por Axel Fersen, supuesto amante de Maria Antonieta, el 21 de julio de 1791. Los reyes consiguen salir de Paris, sin ser reconocidos, pero cometen errores como viajar con carrozas muy grandes y muchos lujos. Por lo que son reconocidos y detenidos en Varennes, y regresaron como prisioneros humillados a París.

Arresto de Luís XVI y su familia en Varennes
Luís XVI acepta la nueva Constitución de septiembre de 1791, para salvar la institución de la corona, pero todo iba a empeorar aún más. El rey veta algunas medidas contra los nobles exiliados de la nueva Asamblea Constituyente, y los llamados sans-cullottes llevados por la ira generan el llamado asalto a las Tullerías el 20 de junio de 1792. El rey intentó hace frente a los asaltantes, para que pudieran alejarse la reina y sus hijos, pero los sublevados pedían que se mostrase la reina. Y Maria Antonieta, una vez mas, no defraudó y apareció ante una masa de iracundos con palos. 

Maria Antonieta en el Asalto a las Tullerías. 
Según la Marquesa de Langesi uno de esos canallas hubiera osado golpearla, todos habrían seguido su ejemplo. Por fortuna, su porte tan noble y tan altivo, tal vez su belleza, su expresión de seguridad, se impuso sobre todos”. De nuevo, la valentía de Maria Antonieta reprime un asalto que duro cinco horas. No obstante, la situación empeoró aún mas tras el célebre manifiesto Brunswick de julio de 1792, del resto de monarcas absolutos europeos, que acusaba a la Asamblea Nacional de ser ilegal, y amenazaba con una represión austríaca si la familia real francesa fuera ultrajada. Los reyes son llevados al edificio del la Asamblea para protegerlos de un nuevo asalto a las Tullerías del encolerizado y sediento de sangre pueblo francés, inmerso en el terror. 

Luís XVI se despide de María Antonieta y sus hijos, por Jean-Jaques Hauer.
Los revolucionarios habían acabado con la Monarquía, y terminan por encerrar a María Antonieta y Luis XVI junto con sus hijos en la Torre del Temple, mientras se preparaban los procesos para ajusticiar a ambos. Allí se dedicaron a instruir a sus hijos en la música y el latín. El primero en salir de la Torre del Temple fue Luís, para enfrentarse a su proceso el 11 de diciembre de 1792, siendo condenado a muerte el 15 de enero de 1793. En julio de ese mismo año María Antonieta tiene que ver como le arrebatan a su hijo, para evitar la mala influencia de la reina, otro disparate de la revolución. El sufrimiento y la pesadilla para María Antonieta estaba llegando a su fin, el 1 de agosto de 1793 se inicia el proceso contra la reina, en pleno terror jacobino (la fase más dura y sangrienta de la revolución).

Prisión de la Conciergerie, París.
La trasladan a la prisión de la Conciergerie, la llamada “antesala de la guillotina”. El proceso fue una farsa, la condena a María Antonieta estaba decidida desde mucho antes. Durante el interrogatorio estuvo, otra vez, inteligente y valiente se defendió diciendo “todo lo que deseo es la dicha de Francia”. Terminado dicho interrogatorio los miembros del jurado fingieron deliberar, y la declararon culpable, ante lo que permaneció serena, impasible y majestuosa. Ahora si sabemos que María Antonieta era culpable de traición por revelar secretos militares a potencias extranjeras, pero en ese momento las autoridades de la República no tenían nada contra ella, todo fue una pantomima.

Ejecución de María Antonieta, óleo anónimo. 
María Antonieta es condenada a la guillotina el 16 de octubre de 1793, tenia 38 años, al día siguiente fue conducida hacia el cadalso, previamente el verdugo le había cortado los cabellos y atado sus manos, otra humillación ante la que se muestra impasible. Sus ultimas palabras las conocemos gracias a Rosalie Lamorliere (joven a la que asignaron el cuidado de la reina en sus últimas horas) y fueron “Hija mía, ya no necesito nada, todo ha terminado para mi...”.

María Antonieta llevada hacia el patíbulo.
De nuevo, se mostraba llena de templanza y valentía mientras se sentaba en el patíbulo acompañada por un cura (al que ni miró) y el verdugo, que la guillotinó y agarró su cabeza mostrándosela al enfervorecido populacho. Una masa que gritaba consignas en pro de la libertad y la república mientras asesinaban impunemente, otra severa contradicción de la revolución. Y un triste final para la vida de una gran y valiente mujer, que consigue mantener su grandeza y dignidad a pesar de que su vida pasara del lujo al terror y la desgracia.

Bibliografía: 
J. Chalon. María Antonieta: del esplendor a la tragedia. Vergara, Barcelona, 2003. 
E. Lever. María Antonieta, la última reina de Francia. El Ateneo, 2007.
E. Mesegur y F. Sánchez. María Antonieta: la caída de una reina. Historia de National Geograpfic. Nº32. 2006.  

viernes, 10 de mayo de 2013

Pasajes de la Historia XXII: El Egipto de Alejandro Magno.

Busto de Alejandro.
Nos encontramos en el invierno del 332 a.C., Alejandro Magno llevaba dos años avanzando contra los persas, y en ese avance llega a Egipto, donde fue venerado como salvador y descendiente de Zeus-Amón. Alejandro sólo permanece en Egipto cuatro meses, pero su labor deja una profunda huella, fundando la más célebre de sus Alejandrías. Todo comenzó en septiembre del 332 a.C. Alejandro ocupa la ciudad Tiro, gran centro de la flota naval persa, y la delegación egipcia en dicha ciudad le pide ayuda para expulsar a los persas de Egipto. De manera que, Alejandro se hace con Gaza y entra en Egipto por el puerto de Pelusio, donde reúne a su flota y marcha contra el gobernador de Egipto, el sátrapa persa Mazakes. La entrada en Egipto fue triunfal, Mazakes no opuso ninguna resistencia y el pueblo recibió a Alejandro como gran liberador, y de inmediato fue nombrado faraón. Pronto, en febrero o marzo del 331 a.C., tras pasar por Menfis, Alejandro funda en la desembocadura del Nilo, frente a la isla de Faro, su gran Alejandría, donde su unirán las culturas egipcia y griega. Para luego ir a consultar el oráculo del templo de Dios Amón en Siwa, donde parece que recibe la confirmación de que es hijo de Zeus-Amón y que su destino es ser el conquistador y creador de un tremendo imperio. Posteriormente, regresó a Menfis para nombrar nuevo gobernador de Egipto al griego Cleómenes de Náucratis, y crear una nueva organización administrativa de Egipto. Alejandro en Egipto fue aclamado y, según Gaston Maspero, “... llegó a ser dios en Egipto naturalmente y sin esfuerzo...”.

Relieve de Alejandro como faraón de Egipto ante Amón-Ra, templo de Luxor.
La fundación de Alejandría en la franja costera cercana a la aldea de Rakotis y frente a la Isla de Faro, es la gran aportación de Alejandro a Egipto. Ya que estableció lo que sería una gran ciudad y puerto comercial, un crisol de culturas, que bajo su nombre se convertiría en la gran capital de Egipto y la urbe comercial del Mediterráneo. Llena de monumentos, organizada y ortogonal, diseñada por el arquitecto Dinócrates de Rodas y localizada en un punto ideal, fácil de defender, abrazada por el gran Nilo, y muy conectada con las grandes ciudades de Egipto, como Menfis. Con un espléndido puerto abierto al Mediterráneo, para conectarla con Macedonia y Grecia, agua dulce en abundancia (el lago Mareotis), un clima perfecto, fácil acceso al Nilo, mucha piedra caliza. Lo tenía todo para ser la nueva gran ciudad de Egipto y de Grecia, de una nueva Grecia que estaba diseñando Alejandro, no compuesta por Polis o ciudades estado sino por reinos y países de un gran Imperio.

Mapa que ilustra el gran Imperio del divino Alejandro Magno.
Según Plutarco, Alejandro decide fundar la más famosa de sus Alejandrías tras un sueño en el que se le aparece el propio Homero, según la tradición un gran arquitecto, Alejandro ordenó señalar los límites de la nueva ciudad con harina de trigo, desatando la llegada de numerosas y diferentes aves que picotearon la harina y reanudaron su vuelo. Alejandro preguntó a los augures el significado de tal hecho y le responden que “... la ciudad que has mandado construir alimentará a todo el mundo civilizado y por todas partes habrá hombres que vayan y vengan del ella...”. Según esa misma Vida de Alejandro de Plutarco la forma de la bandada de pájaros (un augurio excepcional) al retomar el vuelo señaló el perímetro de la nueva capital egipcia.

Ruinas del santuario de Zeus-Amón en el oasis de Siwa.
Hay que analizar también la visita de Alejandro al oasis y santuario de Siwa (desierto del Sahara), en la primavera del 331 a.C. partió con su escolta a una expedición de 220 kilométros por el desierto guiado por nativos egipcios. Pero una extraña lluvia y tempestad les sorprendió en el desierto, y borró el camino a seguir, en ese momento le fue enviado unos cuervos, o unas serpientes, a los que siguieron hasta llegar al santuario de Amón. De esta visita nos informan dos grandes historiadores clásicos, en palabras de Plutarco fue saludado por los sacerdotes de Zeus-Amón como “Oh Hijo de Zeus” e “invencible conquistador del mundo”. Según Diodoro de Sicilia una vez dentro del templo de Amón y ser saludado como hijo de Zeus, Alejandro dijo “¡Si acepto el oráculo, oh padre! ¿Me das en el futuro el imperio de la tierra entera?", finalmente el sacerdote y profeta proclamó que el dios le concedía lo que solicitaba...”.

Muerte de Alejandro Magno, según Karl Von Piloty.
Tras ser proclamado hijo de Amón-Zeus, Alejandro regresó a Menfis (mítica capital de Egipto) en el verano del 331 a.C., donde ofrece grandes sacrificios y ofrendas a los dioses de Egipto, fundamentalmente al divino buey Apis, además de celebrar unos grandes juegos atléticos en honor al gran Zeus, procesiones y fiestas. En los relieves egipcios está corroborado como fue proclamado faraón y recibió todos los honores correspondientes. Tras esto, sólo cuatro meses después de haber llegado a Egipto, Alejandro se marcha para seguir con sus campañas de conquista, y no regresa nunca más con vida a Egipto. Pero tras su muerte, el cadáver de Alejandro va a ser trasladado a Alejandría, en donde su tumba se convierte en meta de peregrinos (entre ellos muchos emperadores romanos como César o Augusto) y lugar de culto durante siglos. En Egipto se veneró y divinizó la figura de Alejandro como hijo de Amón-Zeus, era hijo de un dios y una mortal, como Heracles o Aquiles (el gran ídolo de Alejandro). El dios Zeus-Amón tomó a su madre Olimpia bajo la forma de su padre el rey Filipo, según el mito.

Recreación, según Diodoro, del carro tirado por mulas que llevó a Egipto el cadáver de Alejandro.
Alejandro muere en Babilonia en junio del año 323 a.C. siendo trasladado por uno de sus generales, el célebre Ptolomeo Lagos, a Egipto. Según Diodoro de Sicilia fue llevado en un sarcófago de oro y arrastrado por un suntuoso carro llevado por 64 mulas. Ya en Egipto su cuerpo fue momificado en la capital Menfis, y recibió sepultura en la sagrada necrópolis de Saqqara (lugar de la primera pirámide). Finalmente, la momia de Alejandro fue llevada su Alejandría y situada en la denominada Soma, tumba monumental, que se situaba entre las dos vías principales de Alejandría, alrededor de ella se colocaron las tumbas de Ptolomeo y de los distintos reyes y reinas ptolemaicos, descendientes de Alejandro. Según Estrabón, Augusto en persona llegó a tocar la momia de Alejandro, que reposaba en un sarcófago de alabastro fundido. Tristemente no se puede corroboran tal afirmación, ya que la tumba de Alejandro y las de los demás Ptolomeos desaparecen, sin una explicación clara, a finales del siglo IV d. C.

Augusto ante la tumba de Alejandro, según Sebastien Bourdon.
Además de ser venerado como un Dios y como un mito, Alejandro se convirtió, por obra de un relato o leyenda, en hijo del último faraón egipcio expulsado por los persas, Nectanebo II, mago y astrólogo. Un relato recogido por la Vida de Alejandro de Pseudo Calístenes, que nos cuenta que Alejandro fue concebido por la unión de Olimpia con Nectanebo (que habría llegado exiliado a Macedonia) en la forma del dios Amón. Un hecho que justificaba que Alejandro fuera rey de Egipto, como hijo del último faraón, pero lo que es más importante el derecho al trono quedaba unido legítimamente a sus herederos los Ptolomeos, descendientes de Ptolomeo Lagos. ya que eran los sucesores legales del hijo de Amón-Zeus y del ultimo faraón egipcio. Una maniobra propagandística de una agudeza tremenda, que perpetuó a los Ptolomeos en el trono de Egipto durante siglos, hasta la conquista romana. Como descendientes del gran Alejandro, un dios/rey, cuya corta estancia en Egipto tuvo tal calado que el mítico reino del Nilo conoció otra gran era de prosperidad alrededor de la grandeza de su gloriosa Alejandría. 

Bibliografía: 
A. B. Bosworth. Alejandro Magno. Akal, Madrid, 2005. 
J. Padró. Historia del Egipto faraónico. Alianza. Madrid, 2003.  
E. M. Forster. Alejandría. Seix Barral, Barcelona, 1984.
C. García Gual. Alejandro Magno, el faraón Macedonio. Historia de National Geographic. Nº 36, 2007.

jueves, 2 de mayo de 2013

Novedades musicales destacadas, abril 2013.


Avantasia - The Mistery Of Time. Tobias Sammet se ha convertido, sin ninguna duda, en el mejor músico y compositor de metal/rock melódico, con cada entrega de su proyecto operístico Avantasia se ha ido superando, hasta dejar a su grupo Edguy en un segundo plano. Y es que Avantasia ya es su grupo, una maravilla de grupo, además Tobias nos ofrece con cada nueva y épica Opera Rock muchas novedades y una mayor amplitud en sus miras musicales, junto con nuevas e inesperadas colaboraciones (como Eric Martin, Joe Lee Turner o la orquesta Babelsberg) que hacen, cada vez, más ricas y variadas sus obras. The Mistery of Time me parece una pasada musical total, desde su apertura con la sinfónica, orquestal y sublime Spectres, de original ritmo lleno de puentes y cambios. Seguimos con The Watchmakers' Dream, puro hard rock clásico con un magnífico Hammond que lo inunda todo. Black Orchid es otra maravilla llena de orquestaciones sublimes y cambios de ritmo, tremenda. El mejor metal melódico de la actualidad llega con Where Clock Hands Freeze y un tremendo y desgarrador Michael Kiske, velocidad y melodías vocales insuperables, una joya. Sleepwalking, el single, es el contrapunto comercial, pero genial, pop-rock, una maravilla melódica el dueto Tobias y la desconocida Cloudy Yang. La segunda parte del disco se abre con la larga y progresiva Savior in the Clockwork, llena de grandes guitarras y juegos vocales. Proseguimos con la cañera y potente Invoke the Machine con Ronnie Atkins (Pretty Maids), y la maravillosa balada Whats Left of Me, donde se luce el gran Eric Martin. Para terminar con Dweller in a Dream, otro pelotazo de metal melódico de la pareja Sammet/Kiske, y la final, The Great Mystery, ampulosa y orquestal llena del sentimiento vocal de Bob Catley. Una vez más, Sobresaliente para el señor Tobias Sammet. 


Deep Purple - Now What!. Sorprendente e inesperado gran disco (de simplona portada) de los clásicos Deep Purple, mitos vivientes y pioneros del hard rock y el heavy metal que nos sorprenden con una nueva entrega discográfica sensacional, algo, al menos para mi, muy sorpresivo. Sin el renegado del rock, Ritchie Blackmore, y sin el tristemente fallecido y genio de las teclas John Lord, Deep Purple existen y nos regalan un grandísimo disco. Y es que Steve Morse, Don Airey, Roger Glover, Ian Pace, e, incluso, el ya limitado Ian Gillan, son músicos tremendos. Sobre todo Steve y Don dan una lección de como llevar la música de Deep Purple a la vanguardia musical del siglo XXI. No hay mas que escuchar la maravilla que abre el disco, una sensacional A Simple Song. Seguido por originales y sorprendentes cortes como Weirdistan, de gran ritmo, atención a los teclados futuristas del señor Airey, la progresiva Out Of hand, con una exhibición de la guitarra de Steve, la clásica y potente Hell to Pay, todo con grandes cambios y bellas melodías y teclados, como en el original medio tiempo Above And Beyond. Las delicias sonoras siguen con Uncommon Man, tremenda, progresiva, vanguardista y setentera a partes iguales, con la belleza y tranquilidad de All The Time In The World o la modernidad sonora, oscuridad y cambios de ritmo de Vincent Price. Desde mi punto de vista, gran y Notable disco de Deep Purple, que parece increíble aún tengan mucho que decir en el panorama musical actual.


Him - Tears On Tape. Los finlandeses Him, grandes del metal/rock gótico a finales del siglo pasado con discos como Razorblade Romance, regresan a la actualidad musical tres años después de su irregular Screamworks, y las huestes de Ville Valo regresan con fuerza. Ya que Tears on Tape nos devuelve a los mejores Him, con su Love Metal aderezado con grandes y envolventes teclados, que crean atmósferas de rock gótico lleno de romanticismo, y unas melodías vocales sensacionales de señor Valo. No hay más que escuchar el single All Lips Go Blue (envolvente y rítmico) para ver que Valo sigue en forma. Los temas 100% Him de la nueva época se suceden como: Love Without Tears (puro Love Metal), I Will Be The End Of You (más cañera y metálica), Into The Night o Drawn & Quartered, en los que podemos apreciar esa combinación de armonías vocales y juegos envolventes de teclado, que los hizo grandes. También sus grandes medios tiempos como el homónimo Tears On Tape, muy lograda, pegadiza y adictiva. Y temas que me han sorprendido bastante como Hearts At War (oscuro y guitarrero), W.L.S.T.D. (muy intenso) y, sobre todo, No Love, lleno de curiosos agudos de Valo, de caña y de garra. En definitiva, Notable regreso discográfico, de unos Him, que para alegría de sus fans recuperan su mejor nivel. 


Killswitch Engage - Disarm The Descent. Los grandes del metal/metalcore moderno americano regresan a la actualidad, y lo hacen, de nuevo, demostrando como hacer metal arrollador y cañero, que combina a la perfección la potencia y velocidad con la belleza y la melodía. Además contaban con el hándicap de la pérdida de su gran cantante, Howard Jones, pero el regreso de su cantante original, Jesse Leach, ha sido una gran decisión. Jesse tiene una tesitura vocal similar a Howard, quizás algo más gutural, pero consigue mantener la esencia melódica de los Killswitch. ya que nos siguen deleitando con su sublime combinación de partes llenas de potencia y agresividad con otras llenas de estribillos pegadizos y melodías sublimes. Junto con una base rítmica tan afilada y pesada como siempre, y unos magníficos riffs de guitarra. Es un disco corto, lleno potencia no hay más que escuchar su portentoso inicio, con dos temas explosivos lleno de intensidad y melodía como son The Hell in me y Beyond the Flames. Seguidas de un brutal y pesado The New Awakening y el sensacional single In Due Time, todo un decálogo de como hacer metalcore melódico. Todo es contundencia y velocidad combinada con juegos vocales tremendos y unas melodías llenas de frescura en cortes como: A Tribute to the Fallen, All That We Have, You Don’t Bleed for me o la melódica Always. Notable para Killswitch Engage, quizás, al menos para mi, el mejor grupo de metalcore melódico. 


Kvelertak - Meir. Segundo disco de Kvelertak, un original grupo noruego, con un sonido totalmente novedoso mezcla de rock and roll, punk rock, hard rock melódico, y sonidos del viking, del black y del flok metal de sus tierras nórdicas. En su primer disco ya apuntaron maneras, pero ahora regresan con una obra mas madura, con calidad e ideas, y sobre todo, con mucha originalidad. Ritmos frenéticos, sonido muy crudo y macarra, guitarras afiladas e endiabladas, voces muy sucias combinadas con otras muy impolutas y limpias, en temas cantados en noruego, lo que abunda en la extrañeza y originalidad. Mucha base de metal pesado tradicional y viking/black nórdico en un inicio devastador con: Spring Fra Livet o Trepan. Muchos aires folk norteño en la magnífica Evig Vandrar, mucha raigambre del punk rock sueco y rock clásico escandinavo en el guitarrero single Bruane Brenn, en la cruda y densa Smilepisk, o en la final Kvelertak, en las que sobresalen los tremendos riffs de guitarra y unos estribillos muy reconocibles. Si piensas que en el metal/rock ya está todo inventado, te recomiendo que escuches Kvelertak, son Notables y diferentes, además de tener mucho margen de evolución y mejora. 


Spiritual Beggars - Earth Blues. Octavo disco del grupo de Michael Amott (ex-Carcass y Arch Enemy), que nada tiene que ver con el death metal, Spiritual son stoner metal y rock clásico muy cercano a los 70. Que ya demostró su calidad con discos como Mantra III o Ad Astra, y que ahora regresan con un disco totalmente imbuido en el hard rock de los setenta (de Black Sabbath, Zeppelin, Rainbow, Deep Purple o Uriah Heep) pero con mucha potencia, personalidad propia y mucha psicodelia. La voz de un cada vez más potente y grave Apollo Papathanasio (Firewind) hará las delicias de cualquier fan del heavy metal clásico setentero. Spiritual Beggars combinan el stoner, el metal, el rock clásico y el rock psicodélico en temas contundentes y originales como: Sweet Magic Pain (llena cambios y con un mágico teclado), la inicial y single Wise As a Serpent (directa e hipnótica), One Man’s Curse (con gran estribillo y trabajo vocal). Todo son Hammond y pianos en Kingmaker o en Too Old To Die Young, o la tremenda, psicoldélica y atmosférica Dreamer, una joya musical y vocal que corona un disco Notable, de un gran grupo lleno de calidad que hace un homenaje a los clásicos pasándolos por su personal prisma musical.


Stone Sour - House Of Gold & Bones Part 2. Hay que decir que sacar dos discos en tan sólo unos meses es una maniobra muy arriesgada, que a otros grandes del rock duro actual como Coheed And Cambria les salió bien, pero que a Corey Taylor y sus Stoner Sour, quizás no tanto. La primera parte es sobresaliente y esta segunda entrega en simplemente notable. House Of Gold & Bones Part 2 es algo inferior, pero también es diferente y original, por lo que mantiene a Stone Sour, como ya dije en su momento en la cima del metal internacional. Estamos ante un disco más oscuro, denso y pesado que se abre con una canción llena de extrañeza y oscura pesadez, Red City, de melodía lúgubre y brutales cambio vocales, pero cambian rápidamente de tercio con Black John, quizás el tema ideal para iniciar el disco, ya que enlaza a la perfección la primera parte. No obstante, de nuevo se adentran en atmósferas opresivas llenas de densidad en: Sadist y Peckinpah, lo que nos descoloca y hace difícil que el disco entre a la primera. Luego retoman lo que mejor saben hacer, que no es otra cosa que la melodía y potencia en perfecta conjunción, con sublimes estribillos en: Stalemate (crudo y tremendo medio tiempo), Gravesend (llena de ritmo, una de mis favoritas), además del tremendo medio tiempo 82, y el gran single Do me a Favor, muy directo y de gran estribillo. En definitiva, a pesar de lo extraña y densa que es esta segunda parte, estamos ante un disco Notable, de un grupo fresco y original, que mantiene su status de gran esperanza y realidad del metal actual. 


Volbeat - Outlaw Gentlemen & Shady Ladies. Ya dije en su momento que los daneses Volbeat son el mejor y más original grupo surgido en los últimos años en la escena metálica, y, de nuevo, lo vuelven a demostrar. Ya que Outlaw Gentlemen & Shady Ladies no sólo mantiene el nivel de su increíble Beyond Hell/About Heaven, sino que sigue abundando y mejorando su particular forma de metal fusión de rock and roll, thrash y rockabilly, es como si Metallica y Elvis se dieran la mano. Como ya dije una vez es alucinante la pasmosa facilidad con la que pasan del thrash metal al rock más bailable y enérgico. En grandes temas llenos de sensacionales melodías y mejores estribillos, todo liderado por la voz de Michael Poulsen, además creo que ha sido un gran acierto la incorporación de Rob Caggiano (ex-Anthrax), ya que da más solidez a Volbeat. Todo es muy americano, con un aire constante a Western, tanto en las letras como en la música, desde la inicial y tremenda Pearl Hart, totalmente adictiva. The Nameless One y Dead But Rising son potentes, llenas de contundencia y rock and roll. Destacar la original Room 24, oscura y pesada, que encaja como anillo al dedo con el invitado King Diamond. El single Cape of Our Hero, es melódico y lleno de comercialidad bien entendida. Todo es variedad y calidad en el gran estribillo de Lola Montez, muy sureña americana, en el rock/metal cañero de Black Bart, y el country americano mezclado con el metal en las tremendas y originales Lonesome Rider y Doc Holiday. Sobresaliente disco de Volbeat, que no te cansas de escuchar, para mi, son el grupo más innovador e inteligente del panorama musical actual, que claramente ya lideran.