miércoles, 27 de marzo de 2013

Pasajes de la Historia XXI: La Tiranía en la Grecia Arcaica.

La Acrópolis de Atenas inicia su gran monumentalización con la Tiranía de Pisístrato.
La Tiranía en la Grecia de los siglo VII y VI a.C. era un fenómeno político ocasional producido por las luchas sociales y las transformaciones habidas en la sociedad, de esta forma, políticos populistas acceden al poder aprovechando la crisis y la confusión. La palabra tiranía es de origen lidio, y en Grecia no tenía unas connotaciones excesivamente negativas, el Tirano era aquel que accedía al poder de manera extraordinaria y merced al apoyo del pueblo. Era un régimen que se caracterizaba por ser ilegitimo, ya que el tirano accedía al poder por la fuerza, acabando con el orden establecido. Ese carácter ilegitimo acompaña siempre al tirano, que, ocasionalmente, era aceptado sólo de forma temporal o para resolver una emergencia. El tirano solía proceder de la oligarquía de la ciudad y se enfrenta, por lo general, a la nobleza, a la que quita los bienes y los reparte entre los pobres y las clases populares. Los tiranos encabezaban los movimientos populares, gozaban del favor popular o apoyo de los grupos humildes y lo utilizaban en beneficio propio. Eran verdaderos demagogos, que solían unir su tiranía a sus descendientes. Hay muchos que ven en la tiranías un precedente del gobierno democrático, y no les falta razón, una vez que los tiranos pierden el apoyo de las clases populares, el pueblo y la aristocracia se unen para derrocarlos, de modo que, el fin de las tiranías supone la irremediable tendencia de las Polis hacia la Democracia.

La Polis de Corinto se convirtió en un gran centro comercial con la Tiranía de Cipselo,  vemos su templo de Apolo.
Las tiranías se sitúan cronológicamente en la Grecia Arcaica hasta el derrocamiento de Hipias de Atenas en el 510 a.C. Hipias era descendiente del más destacado de los tiranos griegos, Pisístrato de Atenas, que curiosamente supone una época de esplendor, que da paso a la Atenas clásica y democrática de Péricles. Para Aristoteles el gobierno de Pisístrato se asemejaba a la llamada Edad de Oro o de Cronos. Pero hubo otros muchos tiranos en la Grecia arcaica, sobre todo en la Magna Grecia, Asia Menor y las Islas del Peloponeso, como: el ilustrado Polícrates de Samos, Hierón de Siracusa, el mecenas Dionisio I de Siracusa, Anfitres de Mileto o Cipselo de Corintio. La mayoría (al modo de dictadores futuros) promovieron grandes obras públicas y generaron el florecimiento de las polis, encaminando su futuro hacia otros regímenes como la Democracia, el poder del pueblo, como ocurre en Atenas. De manera que, nos centraremos en la tiranía más importante, de la Pisístrato y sus hijos en el siglo VI a.C.

Solón.
Nos retrotraemos hasta el 632 a.C., año el que hay un intento de instaurar una tiranía por parte del noble Cilón, que da un golpe por la fuerza que, finalmente, fracasa. Esto hecho hace que la aristocracia se vuelva aún más hermética y radical, por lo que hacia el 622 a.C. se promulga la reaccionaria legislación de Dracón. La nobleza tiene un poder ilimitado y una impunidad total en sus decisiones, lo que provoca tensiones sociales, que nos llevan a la figura del moderado legislador Solón. Solón, tras ser nombrado arconte, hacia el 594 a.C. creó una nueva legislación que limitaba, en parte, el poder de la nobleza. Dividió la población en clases según su dinero, es la llamada plutocracia o timocracia (gobierno de los poseedores), y se legalizaba la liberación de los campesinos. Solón es fundamental para la evolución de Atenas, sus leyes significan la emancipación del individuo, no obstante, pese a Solón la tiranía llegó a Atenas. Ya que el Ática era una zona muy compleja y heterogénea, que junto con la agitación social, hace que se creen tres facciones o regiones en el Ática lideradas por Megacles, Licurgo y Pisístrato. Éste ultimo era un militar destacado cercano a Solón, lo que le generó gran popularidad, junto con su victoria en la guerra con la polis vecina de Mégara. 

Ruinas de Mileto, que conoció tres Tiranos apoyados por los persas. 
Pisístrato era muy hábil, y hacia el 561 a.C. se presenta en el ágora lleno de heridas, simulando haber padecido un atentado hacia su persona y pidiendo protección al pueblo. Logra que el pueblo le aprobase la creación de una guardia personal de trescientos hombres armados con porras, una fuerza que utilizó para tomar la Acrópolis y hacerse con el tesoro y el gobierno de la ciudad. Durante seis años Pisistrato gobierna Atenas con el apoyo del pueblo, a pesar de las criticas de Solón al pueblo por dejar llegar la tiranía. Pero quedaban las facciones de Licurgo y Megacles, que se unen y provocan el exilio de Pisístrato en el 556 a.C. Sin embargo, el gobierno de Licurgo y Megacles no fructificó por falta de entendimiento, y Megacles toma la decisión de acercarse políticamente al exiliado Pisístrato, su asociación se hizo fuerte, incluso ofreció a Pisistrato a su hija como esposa. Pero fue otro ardid el que supone el regreso del tirano, al disfrazar a una muchacha como una falsa Atenea y llevarla a la ciudad en un carro, para que pronunciase un discurso reclamando el regreso del tirano. Herodoto, se sorprendía de la ingenuidad del pueblo ateniense, pero la masa popular siempre es supersticiosa y crédula. De forma que, Pisístrato estaba de nuevo al frente del gobierno de Atenas, junto con Megacles. 

La Tiranía supone un gran desarrollo económico y artístico, destacar las cerámicas de figuras negras del siglo VI a.C.
Empero, la alianza entre Megacles y Pisístrato se va a romper, por incumplimiento de los deberes conyugales de Pisístrato con la hija de Megacles. Ya que no quería tener nuevos hijos que impidieran llegar a sus hijos mayores al poder, por lo que el tirano cae en un segundo exilio. Pisístrato huye, pero con celeridad y la ayuda de sus hijos, fundamentalmente Hipias, prepara su triunfal regreso a Atenas. Se hace con un gran fortuna y un gran ejército, que hacia el año 539 a.C. desembarca en Maratón avanzando hacia Atenas. En dicho avance se le unen muchos seguidores, con lo que derrotó fácilmente a los atenienses e instauró, de nuevo, su tiranía. Con su riqueza, su eliminación y huida de opositores, y el desarme absoluto de los ciudadanos, su tiranía se consolidó. Fue un periodo de prosperidad y paz social para Atenas, de reducción de impuestos, que favoreció, fundamentalmente, al campesinado y a los ciudadanos más pobres, a los que repartió las tierras confiscadas a sus rivales. Una época de gran desarrollo económico, como prueba se inician las acuñaciones de moneda en Atenas. 

Grandioso Templo de Zeus Olímpico promovido por Pisístrato. 
El objetivo fundamental de Pisistrato era la expansión e integración de Atenas en el Atica, para controlar todo el territorio. Como herramienta de cohesión política creó festivales religiosos, en honor a la gran diosa Atenea, que reuniesen a toda la región, las llamadas Panateneas. Y utilizó su gran fortuna para monumentalizar la ciudad, creando un gran programa de obras públicas. Algo muy habitual entre los tiranos griegos, para dotar a la ciudad de infraestructuras y dar trabajo a sus ciudadanos. inicia la monumentalización de la Acrópolis y del Ágora, dotándola de grandes altares y fuentes, además de iniciar la construcción del gigantesco Templo de Zeus Olímpico. Y es que la tiranía de Pisistrato fue también la antesala del esplendor artístico de la Grecia Clásica.

Los Tiranicidas, Harmodio y Aristogitón, copia romana, Museo Nacional de Nápoles.
Según el gran historiador griego Tucídides, Pisístrato “ejerció su autoridad sin despertar odios” llevando Atenas a una era de esplendor. Por eso, a su muerte en el 527 a.C. su tiranía continuó en sus hijos: Hípias, el mayor, y sus hermanos Hiparco y Tesalo. Hipias e Hiparco mantienen la línea de gobierno de su padre, ahondando en el desarrollo cultural. Llegamos al año 514 a.C., año en el Hiparco fue asesinado por los llamados Tiranicidas, dos nobles atenienses, Harmodio y Aristogitón. Lo que generó una tremenda represión por parte de Hipias, provocando la unión de la oposición ateniense, los Alcmeónidas y el rey espartano Cleómenes. Una alianza que consigue expulsar a Hipias en el año 510 a.C. El fin de la tiranía supone la posterior llegada de Clístenes, que emprende la progresiva creación de la Democracia clásica Ateniense, basada en los derechos iguales para los ciudadanos. La gran relevancia de los tiranos griegos es que suponen el caldo de cultivo de la gran Grecia Clásica del siglo V a.C. marcada por la Democracia y el fastuoso desarrollo intelectual y cultural. 

Bibliografía: 
J. M. Roldán. Historia de la Grecia Antigua. Ed Universidad, Salamanca,1998.

viernes, 22 de marzo de 2013

Grandes Iconos Universales XIII: El Juicio Final, Miguel Ángel, 1537-41.


El Papa Clemente VII encargó a Miguel Ángel la decoración pictórica de las dos paredes frontales de la Capilla Sixtina, en el ábside del fondo de la capilla, donde se encuentra el altar, se ubicaría El Juicio Final, y en la pared de enfrente la, nunca realizada, Resurrección. Ya que en septiembre de 1534 muere Clemente VII y es, finalmente, su sucesor Paulo III el que retoma el proyecto pero sólo encarga a Miguel Ángel el Juicio Final y la Resurrección queda descartada. Paulo III nombra a Miguel Ángel pintor, escultor y arquitecto del Vaticano, y 25 años después de terminar su sublime techo de la Capilla Sixtina comienza a trabajar en el Juicio Final. Es un enorme fresco de dimensiones excepcionales (13,70 x 12,20 metros) en el que mueven unas 400 figuras.

El Juicio Final antes de su restauración.
En este gran conjunto pictórico, que representa el Juicio Final extraído del Apocalipsis de San Juan, Miguel Ángel exhibe su admiración hacia la anatomía (amplías musculaturas) que le llevará a desnudar al propio Cristo, sus desnudos son verdaderos titanes. La composición se estructura como un remolino tormentoso lleno de tensión y fatalidad en el que se amontonan las figuras. Unas figuras que se retuercen sobre sí mismas en acentuados escorzos, que anticipan el Manierismo y el Barroco, creándose una increíble sensación de movimiento unificado. Los colores son vivos con intensos contrastes de luces y sombra. Es excepcional la expresividad de los rostros, que recogen en sus gestos el destino fatal que les ha tocado tras el Juicio, y en los que se aprecia toda la fuerza de la "terribilità" típicamente miguelangelesca. Al mostrar la intensidad de un momento de manera excepcional, produciendo en el espectador cierto miedo y pánico religioso alejado de la delicadeza renacentista. En palabras de Juan Pablo II "... Si frente al Juicio Universal quedamos deslumbrados por el esplendor y susto, admirando por una parte los cuerpos glorificados y por la otra aquellos sometidos a la condena eterna, comprendemos también que toda la visión está profundamente impregnada de una sola luz y una sola lógica artística: la luz y la lógica de la fe que la Iglesia proclama al confesar: Creo en un solo Dios... creador del cielo y de la tierra, de todas las cosas visibles e invisibles". 

La Majestuosa figura de Cristo y su resignada madre, la Virgen.
La grandiosa composición de Miguel Ángel se centra en la hercúlea figura de Cristo, epicentro del fresco, representado en el instante que precede a la emisión del veredicto del Juicio. Cristo con un gesto lleno de energía y poder separa a justos de pecadores, contando con una inédita expresión aterradora, llena de ira. Ese tremendo e imperial gesto de Cristo es el origen del movimiento y remolino en el que se ven envueltas las figuras. Al lado de Cristo se halla la Virgen, se esconde detrás de Cristo temerosa del movimiento lleno de violencia desatado por su hijo. Otros la ven resignada, ya que ella no puede hacer nada ante la decisión de su hijo, sólo contemplar el resultado del Juicio Final. 

Conjunto central con Cristo, la Virgen y, alrededor, los Santos.
El conjunto central de la obra se completa con varios Santos que rodean la dos figuras centrales, Miguel Ángel los representa ansiosos y asustados a la espera del veredicto final. Algunos de ellos se pueden reconocer con facilidad, al ser representados con sus símbolos o elementos de su martirio: 
- San Pedro, con las llaves del Paraíso. 
- San Lorenzo, con la parrilla de su martirio.

San Bartolomé.
- San Bartolomé, con su propia piel, ya que fue despellejado, en la que se suele identificar el autorretrato de Miguel Ángel. 
- Santa Catalina de Alejandría, con la rueda de púas de su martirio. 
- San Sebastián, de rodillas con las flechas en la mano. 
- San Andrés, con una cruz en forma de X que simboliza su martirio, entre otros...

Los Ángeles del Apocalipsis con sus trompetas.
Alrededor del grupo central hay un tumulto de gente enorme, la mayoría están asustados, el pánico ante el Juicio Final les domina, muchos no saben que hacer e incluso lloran. Debajo del conjunto central del fresco encontramos a los ángeles del Apocalipsis, que despiertan a los muertos con el sonar de sus largas trompetas y dos ángeles sostienen en sus manos los Libros de la Vida y la Muerte, donde figuran salvados y condenados.

La parte izquierda de los Salvados.
En la parte baja encontramos otros dos grupos: a la izquierda, los salvados y resucitados que ascienden hacia el cielo como cadáveres que se recomponen, esto es, la resurrección de la carne. Más abajo hay demonios en cuevas en la tierra que intentan llevarse a los salvados al infierno e impedir su ascenso al cielo.

La parte derecha de los Condenados con Caronte y su barca.
A la derecha están las tinieblas, en donde ángeles y demonios compiten por precipitar a los condenados al infierno. Además Miguel Ángel representa al monstruoso Caronte y su barca llena de condenados, a los que conduce ante la presencia del juez y rey del infierno Minos. Al que representa desnudo con una serpiente alrededor de su cuerpo y con orejas de burro, se dice que como modelo de cara Miguel Ángel tomó al prelado papal Biaggio da Cesena. Lógicamente Biaggio entró en cólera y pidió explicaciones y ayuda al papa Paulo III, al que suplicó que su cara fuera retirada del Juicio Final. Pero se dice que el Papa le contestó "... Querido hijo mío, si el pintor te hubiese puesto en el purgatorio, podría sacarte, pues hasta allí llega mi poder; pero estás en el infierno y me es imposible...".

Minos con la cara de Biaggio.
Por esa y otras razones en 1541, una vez terminado el Juicio Final hubo gran aluvión de críticas feroces contra Miguel Ángel y su obra, por la representación de la figura de Cristo y de otras muchas desnudas. Por ejemplo, según Vasari, el mencionado Maestro de Ceremonias Biaggio da Cesena llegó a decir que "era cosa muy deshonesta en un lugar tan honorable haber realizado tantos desnudos que deshonestamente muestran sus vergüenzas y que no era obra de Capilla del Papa, sino de termas y hosterías".

Otro detalle de las Tinieblas con Caronte, Minos y los condenados,.
De forma que, la Curia de la Iglesia, tras la muerte del tolerante papa Julio III, decide corregir el fresco en la reunión de la Congregación del Concilio de Trento del 21 de enero de 1564 donde se ordenó el cubrimiento de toda "la parte obscena". Fue Daniele da Volterra, discípulo de Miguel Ángel, el encargado de cubrir todos los desnudos con telas y paños, pero el llamado “Braghettone” (pone-calzones) murió antes de terminar su trabajo, y otros paños se añadieron en siglos sucesivos. El fresco original fue modificado para siempre, ya que estos calzones se pintaron al óleo, no al fresco, y resultaba imposible recuperar los desnudos originales. A pesar de esa tropelía, aún hoy en pleno siglo XXI este gran icono universal sigue produciendo aquello que buscaba el genio de Miguel Ángel, que no era otra cosa que sobrecoger al espectador.

El Juicio Final después de su Restauración finalizada en 1999.
Bibliografía:
Rubiés, Pere. Los Grandes Maestros de la Pintura: Miguel Ángel. Barcelona, 2001. 
Fotografías: Wikipedia. 

jueves, 14 de marzo de 2013

Grandes Hallazgos Arqueológicos VII: La tumba de Nefertari.

La bella y eterna Nefertari.
Nefertari Merit-en-Mut, que significa “la más bella de todas”, fue la primera esposa real de Ramsés II, que quedó totalmente fascinado por ella y le dedicó un templo en Abu Simbel. En la fachada del templo Ramsés II colocó una inscripción, Nefertari “aquella por quien el sol brilla”, lo que deja bien claro la relevancia que Nefertari tenía para el gran faraón y guerrero. Parece claro que Ramsés II estaba fascinado por la personalidad de su primera esposa, tenía una segunda esposa, Isetnofret, y numerosas concubinas, pero Nefertari era algo excepcional para el faraón. No se sabe mucho en relación a los orígenes y la historia de Nefertari, algunos egiptólogos la colocan como descendiente del faraón Ay, pero nada hay seguro. Es curioso que salvo dos excepciones en todos los monumentos del Alto Egipto Ramsés II se hace acompañar siempre por Nefertari, algo que pone bien a las claras la predilección del faraón.

Nefertari con el sistro (instrumento musical) en la mano, templo de menor de Abu Simbel.
De manera que, hacia el 1265 a.C. Ramsés II y Nefertari inauguran los templos de Abu Simbel (trasladados en 1963 debido a la construcción de la presa de Assuán), a las puertas de Nubia. Ramsés II mando construir dos templos excavados en la roca en la misma frontera de Nubia, para demostrar la grandeza de Egipto. El templo mayor estaba dedicado la dios Ra-Harakhty aunque también estaba consagrado a Amón, Ptah y al propio Ramsés. El segundo templo o menor está dedicado a la diosa Hathor y a su esposa Nefertari, en su fachada están los célebres y grandes colosos de Ramsés II flanqueados por los colosos de Nefertari, de menor tamaño. Entre los colosos figura la famosa inscripción “La Gran Esposa Real Nefertari, aquella por la que el sol brilla”, que significa que sería la garante del orden cósmico. Que supone la renovación anual del faraón, unida a la inundación anual del Nilo. Por eso en el interior del Templo, Nefertari aparece oficiando ritos junto a Isis y Hathor.

Fachada del Templo de Nefertari, con los célebres colosos.
El templo de Nefertari, del tipo Speos, cuenta con una entrada que da paso a una pequeña sala-patio, donde fueron representados los hijos e hijas de Ramsés II, que desemboca en la gran sala hipóstila con seis grandes pilares. En la parte posterior del templo un vestíbulo con una cámara en cada extremo, y finalmente el santuario dedicado a la regeneración anual del faraón. En el santuario se representaba a Hathor emergiendo de la montaña de los muertos con Ramsés bajo su barbilla, clara alusión a la renovación e inundación anual, que tenía que ver con el orden del cosmos, cuya garante era Nefertari.

Vista aérea del Valle de las Reinas.
La Tumba de Nefertari es la joya indiscutible del Valle de las Reinas y está emplazada al lado de la Tumba de Tuya, la madre de Ramsés II, lo que demuestra la intención del faraón de que las dos mujeres importantes de su vida pasaran la eternidad prácticamente unidas. La tumba fue descubierta en 1904 por Ernesto Schiaparelli y fue restaurada en 1992 por un equipo internacional dirigido por Paolo Mora. La tumba de Nefertari es la más bella que nos dejado el antiguo Egipto, aunque es más pequeña de tamaño que otros inmensos hipogeos del Valle de los Reyes. Sin embargo, el excepcional estado de conservación de sus pinturas la convierten en un joya, en la que encontramos a Nefertari junto a los dioses de la Eternidad. Unas pinturas que representan el viaje de la reina hacia el Más Allá, morada de Osiris, un viaje plasmado pictóricamente en la parte izquierda de tumba, para luego renacer en un viaje hacia la luz del sol o Re, que está representado en la parte derecha.

Estructura de la Tuma de Nefertari (QV 66)
Tras bajar unas escaleras, lo primero que nos encontramos es la Antecámara, donde comienza el viaje de Nefertari hacia el reino de lo muertos, protegida por la diosa Wadjet, guardiana de la realeza, representada como una cobra dispuesta al ataque en los dinteles de las puertas. En la antecámara se representa a la reina sentada jugando en solitario al senet (juego egipcio similar al ajedrez), simboliza que está preparada para afrontar su viaje a la eternidad. Luego hay una larga escalera, un largo descenso hacia el oscuro mundo de Osiris, en la que encontramos a la reina protegida por Isis y Neftis, a las que ofrece vino. Junto con otros protectores como Anubis, en forma de chacal.

Nefertari jugando en solitario al Senet, antecámara de su tumba. 
Al terminar las escaleras llegamos a la magnífica Cámara Funeraria en cuyo centro, en un nivel inferior, se depositó el sarcófago con la momia de Nefertari, preparada para su renacimiento. La cámara contaba con cuatro grandes pilares que sostenían el techo que estaba representando al cielo, como una gran bóveda celeste llena de estrellas pintadas. Unas estrellas amarillas del techo que apuntan al centro de la cámara, hacia el sarcófago de la reina. Sobre cada pilar, en uno de sus lados, se representó un pilar djed, el pilar de cuatro capiteles, símbolo del dios que renace de su muerte, esto es, Osiris. En las caras internas de los pilares está representado Osiris mirando hacia el sarcófago de Nefertari. También se representa a Horus, el vengador de su padre Osiris, y al dios Hathor insuflando vida a la reina.

Vista de la cámara funeraria y sus pilares.
En los pilares encontramos además al dios Anubis, recibiendo a la reina como segunda divinidad del reino de los muertos, y a la diosa Isis (esposa de Osiris y madre de Horus), gran protectora de los reyes, que acoge a Nefertari mientras abandona el oscuro reino de Osiris para dirigirse a la luz de Re. Isis junto con Neftis son las protectoras de la momia de la reina, se las representa como halcones vigilantes. La cámara contaba con tres anexos en los que se guardaban todo tipo de ofrendas funerarias (alimentos, perfumes, ropa...) todo lo necesario para la vida en el Más Allá. La tumba es sublime, es el palacio, la morada eterna de Nefertari en la que ella es la gran protagonista. En su tumba se representa a Nefertari sola, serena y radiante ante los dioses, para afrontar su eternidad, en ningún momento aparece su marido, el poderoso Ramsés II. 

Rostro bello y sublime de Nefertari, arriba cartucho con su nombre
En las pinturas se representa la belleza de la reina de una forma excepcional, la fría y plana pintura egipcia, se torna en esta tumba osada y realista. El rostro de la reina es de un sublime realismo, en los labios y, sobre todo, en los pómulos destacados con un tono rosáceo, totalmente inédito. La belleza de la tumba de Nefertari es incomparable, y nos habla de la relevancia y la personalidad de una gran reina que marcó la vida de uno de los más relevantes faraones de Egipto, el invencible y divino Ramsés II.

Bibliografía:
J. Padró. Historia del Egipto Faraónico. Alianza, Madrid, 2003.
T. Bedman. Nefertari Merit-en-Mut: Por la que brilla el sol. Aldebaran, Madrid, 1999.

viernes, 8 de marzo de 2013

Novedades musicales destacadas, febrero 2013.


Buckcherry - Confessions. Son los grandes representantes del rock macarra americano, el grupo de los Los Angeles regresa a la actualidad con otro gran disco lleno de actitud, sonido potente y sucio, y letras oscuras y macarras. Los temas de rock lleno de adrenalina y potencia se suceden como el gran single Gluttony, todo un cañonazo para no dejar de mover la cabeza. Al igual que Wrath o Nothing Left But Tears, sencillos y eficaces, pero tremendamente adictivos. Grandes y afiladas guitarras en Greed, exquisitos estribillos como en Water o Seven Ways To Die, y medios tiempos marca de la casa del señor Josh Todd como The Truth o Dreaming of you. En definitiva, Notable disco de Buckcherry, un grupo que nunca falla a los seguidores del rock duro más directo y sucio, de lo mejor del género, sin duda alguna.


Bullet For My Valentine - Temper Temper. Joven grupo de Gales que entro con fuerza en la escena musical del metal/metalcore con aquel The Poison del año 2005, y que en cada disco han intentado evolucionar y madurar dentro de sus posibilidades. Ahora nos presentan su cuatro disco en el abundan en su sonido de metal potente, melódico y modernizado. beben de influencias de grupos de metal clásico (Metallica) u otros más modernos y, eso si, les dan su toque personal de la mano de su cantante Matt Tuck. El disco está lleno de ese metal colmado de potencia melódica en cortes como Break Point, Truth Hurts con guitarras muy agresivas y efectivos estribillos. Son temas cortos y potentes, marcados por la intensidad como el single Temper Temper, Riot, o Leech. Buenas melodías y calidad instrumental en destacados medios tiempos como Dead to the World o el radiable P.O.W. Bullet For My Valentine, progresan adecuadamente, sin ser un grupazo, han conseguido madurar.


Red - Release the Panic. Descubrí a Red en el año 2011 con su tremendo Until We Have Faces, son un grupo procedente Nashville (Tennessee) de metal/rock alternativo cristiano (su nombre tiene que ver con la sangre de Cristo). Red son todo un descubrimiento, y es que son sensacionales, practican un metal/rock muy potente en el que las melodías son sublimes y lo llenan todo. No hay más que escuchar el tema inicial y single Release the Panic (atención a su tremendo y elaborado video) para escuchar esas sublimes melodías y grandes estribillos. Temas cortos llenos de potencia y belleza como Perfect Life, Die For You, todo es accesible, pero lleno de calidad. Guitarras afiladas y ritmos potentes en Damage, grandes temas lentos como Hold Me Now o So Far Away. Si te gustan Shinedown, Creed, Nicklelback o Alter Bridge, no dejes escapar a Red, son verdaderamente Notables.


Steven Wilson - The Raven That Refused To Sing (and other stories). El gran y multifacético músico ingles fundador de los progresivos Porcupine Tree, nos presenta ahora su magnífico tercer disco en solitario. Steven Wilson ha grabado el disco en el estudio con todos los músicos, como si fuera en directo, y eso se nota en el resultado final. La idea era recuperar la espontaneidad de los discos de los setenta de grupos como King Crimson o Genesis, y vaya si lo consigue. Estamos ante un disco lleno de grandes melodías y potencia con muchas influencias del jazz, en el que se puede apreciar esa improvisación de jam session de directo. No hay más que escuchar Luminol. el tema que abre el disco, para darse cuenta que estamos ante un sonido directo y potente, con grandes riffs, y numerosos cambios de ritmo e instrumentales, con teclados muy jazz. El disco es muy rollo banda sonora de película, de momentos llenos de intensidad se pasa a otros de absoluta melancolía y tristeza como en Drive Home o The Holly Drinker. Todo lleno de saxos, instrumentos de viento, pianos, unas preciosas guitarras acústicas y grandes coros vocales, como podemos apreciar en el medio tiempo final, el sinfónico y orquestal The Raven that Refuses to Sin, que logra transportaste a otra dimensión. Extraordinario trabajo de Steven Wilson, si eres amante del rock progresivo atemporal y ecléctico no lo dejes escapar. Sobresaliente


Stratovarius - Nemesis. Grandes maestros del power metal europeo en los 90 y principios del siglo XX con discos como Visions, Episode o Elements, desde la salida de su líder y compositor principal Timo Tolkki habían perdido gran parte de su grandeza. Pero con este Nemesis regresan, y de que manera, a la buena senda, fracturando uno de sus mejores discos, sin entran en odiosas comparaciones. Nemesis es un disco tremendo en el que podemos escuchar a los mejores Stratovarius en años, además de contar con un sonido, producción y presentación espectaculares. Timo Kotipelto y Jens Johansson lo inundan todo con sus prodigiosas melodías vocales y de teclado, y los nuevos: el joven y talentoso guitarrista Matias Kupiainen y el batería Rolf Pilve demuestran estar totalmente compenetrados con el grupo. Los temas de metal melódico del siglo XXI se suceden Abandon, Unbreakable, Stand My Ground, llenos de grandes coros, estribillos y pegadizas melodías, en un comienzo tremendo. Junto con nuevos y arriesgados sonidos en la sensacional Halcyon Days, y épicos y melódicos cortes muy pegadizos como en: Fantasy, Out of the Fog o Castles in the Air. Y el colofón final con la tremenda e intensa balada If the Story is Over y el complejo corte Nemesis, lleno de cambios de ritmo y melodía. En definitiva, el mejor disco de Stratovarius en muchos años, Sobresaliente y, sobre todo, sorprendente por inesperado.


The Union - The World Is Yours. La banda de los geniales Luke Morley (Thunder) y gran cantante Peter Shoulder regresa a la actualidad con otro gran disco de rock duro acústico, elegante, lleno de belleza instrumental y melodía. Estamos ante su tercer disco, y no es su consagración, ya que para mi están consagrados desde su homónimo primer disco. The Union siguen por la buena senda llevando el hard rock inglés a su máxima expresión, poniendo todo su talento al servicio de la exquisitez musical. Es increíble la capacidad de crear canciones de rock llenas de belleza acústica y melodía todo unido a la tremenda y particular voz de Peter, una de las mejores voces del rock actual, en opinión de un servidor. Las tremendas y rockeras Sawtooth Mountain Ride You're My Jesus, The World Is Yours, The Perfect Crime o What Doesn't Kill You tienen un riffs y un rollo muy Thunder. Todo está lleno de sublimes melodías en: Tonight I'm Alive, Fading Out Of Love, To Say Goodbye, Tangled Up In You o Lost To The Wind..., en las que la belleza de las guitarras acústicas y eléctricas se combinan con la sublime línea vocal. Uno de los grandes grupos de rock sin etiquetas de la actualidad, imprescindibles y Sobresalientes.


Voodoo Circle - More Than One Way Home. El grupo del gran guitarrista Alex Beyrodt (Primal Fear, Silent Force) junto a otros dos grandes del hard rock europeo como son Matt Sinner y David Readman (Pink Cream 69, que, una vez mas, demuestra que está en un momento vocal tremendo) nos presenta su nuevo disco, que es un homenaje absoluto a Whitesnake. Una buena copia cargada del hard rock, del blues y del alma de David Coverdale y su serpiente blanca. Desde la inicial Graveyard City todo huele a la serpiente por los cuatro costados, hasta David con su tremenda capacidad de registros por momentos parece Coverdale, en Tears in the Rain, Heart of Babylon, o mi favorita Cry For Love, algo más original y muy emotiva. Todo continua por la senda del homenaje en Alissa, Ghost in your Heart o More Than One Way Home. Interesante disco, lleno calidad vocal y clase instrumental, que no llega al notable ante su evidente falta de originalidad, ahora como homenaje es sensacional.


W.E.T. - Rise Up. Tremendo grupo creado por: Robert Säll (Work Of Art), Erik Martensson (Eclipse) y Jeff Scott Soto (Talisman), tres grandes músicos del AOR/Hard Rock melódico escandinavo al servicio de las buenas melodías y estribillos, que en su disco de debut nos hicieron disfrutar de lo lindo. Ahora regresan con un disco de inicio espectacular: Walk Away, Learn To Live Again y Rise Up son tres temazos para enmarcar, llenos de ritmo y sublimes melodías vocales, teclados y guitarras. Las baladas Love Heals y Still Believe in Us son de manual y están llenas de belleza. Los cortes intensos y llenos de ritmo se suceden como: What You Want, On The Run, Shot o la final y heavy Still Unbroken, nos hacen disfrutar del mejor hard rock melódico y maduro de la actualidad. Sin llegar a superar su excelso y homónimo disco de debut, Rise Up es un disco Notable, de una banda que está por encima de la media.

En marzo: Bon Jovi, Soilwork, Spock's Beard, Clutch...