miércoles, 25 de septiembre de 2013

Novedades musicales destacadas, julio/agosto 2013.


Avenged Sevenfold - Hail To The King. Avenged son un referente del metal internacional, uno grupo que ha sabido sobreponerse a la pérdida de su prometedor batería, James “The Rev”, y que disco tras disco ha ido asentando un estilo propio lleno de descaro. Siempre han dejado muy claras sus influencias (Mötley Crüe, Metallica, Guns and Roses) y, de nuevo, vuelven a combinar esas bases con su original estilo. Para muchos, este Hail to the King es un plagio de esas bandas, como ha dicho el propio Robb Flynn, líder de Machine Head, les felicitó “por llegar al nº1 de ventas con un disco de versiones”. Yo no creo que eso sea cierto, es verdad que estamos ante el disco de Avenged más orientado hacia el metal/rock clásico, es su disco más potente, crudo, directo y épico. Además la producción, del sorprendente nuevo gran productor de metal Mike Elizondo, es sensacional, logrando un sonido demoledor. Ese nuevo sonido clásico de la banda arranca desde la inicial y agresiva Shepherd Of Fire, con un brutal sonido de guitarras y batería. Al igual que el single, la épica y original Hail to the King, todo un himno clásico pasado por el tamiz musical de una banda joven y moderna. Entramos en Doing Time, con un aire a Guns que echa para atrás, pero no se puede negar que es un cañazo muy en la linea de sus primeros discos. Y, sobre todo, This Means War, cuyo ritmo es un calco de los mejores Metallica, pero es un colosal temazo. Luego pasamos por Crimson Day, una balada 100% Avenged, y la curiosa Requiem, llena de épica y con un estribillo/coro operístico medieval, demostrando que también pueden ser originales. O temas llenos de vitalidad (Heretic), melodía y grandes estribillos (Coming Home) y riffs potentes como (Planets o Acid Rain). En definitiva, influencias al margen, Avenged Sevenfold es uno de los grupos bandera de una nueva generación de bandas americanas, y, desde mi punto de vista, son Sobresalientes.


Five Finger Death Punch - The Wrong Side of Heaven and the Righteous Side of Hell, Vol. 1. Otra de esas nuevas bandas americanas que combinan la potencia y la melodía en una perfecta simbiosis y que están creando una nueva forma de entender el rock duro. Mezclan numerosos estilos, muy difícil etiquetarles en un único estilo, y creo que eso en el momento actual es muy bueno. Quizás Five Fingers son más alternativos, aunque en este nuevo disco tiene muchos elementos más clásicos combinados con sus grandes y pegadizas melodías modernas. El arranque es sensacional con Lift Me Up (en la que colabora el gran Rob Halford) que gustara a cualquier fan del rock duro y potente. Tenemos temas llenos de pegada, con sublimes y melódicos estribillos, como Watch You Bleed o You. La melancólica y tremenda Wrong Side Of Heaven, de las mejores, tras la melodía nos encontramos con la agresividad de Burn MF o Dont Your Eyes. Para regresar a la clase con el pegadizo Anywhere But Here, con la ayuda de Maria Brink (In This Moment). En definitiva, Interesante disco de Five Fingers, un grupo a tener muy en cuenta si te gusta la nueva vertiente del metal moderno.


Franz Ferdinand - Right Thoughts, Right Words, Right Action. Franz Ferdinand son los grandes representantes del Indie rock bailable y enérgico, un rock contagioso y chispeante que siempre sacan a relucir en sus singles, como en su antológico Ulysses. Para muchos fans han ido perdiendo energía e inspiración desde su gran disco de debut, parece algo común a todos los grupos de indie gran talón de Aquiles del estilo. No obstante, para mi, que el indie no es del todo lo mío, los de Alex Kapranos siguen haciendo grandes y bailables canciones, singles que enganchan y te hacen mover el cuerpo. El nuevo disco comienza de forma inmejorable con Right Action, tema enérgico y lleno de fuerza, Evil Eye, rollo banda sonora intrigante y bailable, y, mi favorito, Love Illumination un tema de esos que alegra el día. Con un ritmo contagioso llevado por un original organillo, un tema lleno de vitalismo, energía y dinamismo con un estribillo adictivo, uno de esos cortes por lo que, aunque no sea fan total del indie, Franz Ferdinand me gustan. Sólo esos tres temas ya hacen que merezca la pena, desde mi punto de vista, es algo que me pasa con todos los grupos indie, tienen buenos temas pero los discos se hacen largos. Aunque destacaremos el funky animado de Stand on the Horizon, la pegadiza Fresh Strawberries, o la final y directa Goodbye Lovers & Friends, que suena a epitafio de un grupo que parece haber agotado formula, pero sigue sacando grandes singles e Interesantes discos. 


James LaBrie - Impermanent Resonance. Tercer disco en solitario del cantante de Dream Theater que continua por la misma senda de metal melódico de sus destacables Elements of Persuasion o Static Impulse, combinando las voces agresivas con las limpias en un rollo metalcore melódico, alejándose de su estilo en Dream Theater, algo totalmente de agradecer. Un disco de catorce temas, que quizás se hace algo largo, por unas estructuras similares en las canciones, pero que cuenta con verdaderos temazos. Como la inicial Agony, un portento de amalgama de melodía y potencia con un estribillo sublime, de los mejores del año. Undertow, muy moderno y pegadizo con un ritmo cuasi electrónico, y la curiosa y comercial Slight of Hand, de gran estribillo. El medio tiempo Back on the Ground, es una de las mejores, con unas estructuras vocales llenas de armonía, melodía y belleza. Para continuar con la potente y moderna I Got You, la melodía de Holding On, y, sobre todo, de Lost in the Fire, otro corte destacado, moderno y electrónico en los teclados. Continuamos con los grandes estribillos en Destined to Burn, y con la bella balada Say you’re still Mine. Del final, aunque el disco se me hace algo largo, destacar las acertadas I Will not Break (muy cañera, llena de grandes riffs), para el lucimiento vocal de James, cuyo registro melódico me encanta. Notable disco de James, que no hace más que aumentar las ganas de escuchar lo nuevo de mis Dream Theater. 


Kadavar - Abra Kadavar. Trío berlinés que debuta con un disco que los lleva a las raíces del hard rock, es otra de esas bandas que de forma acertada están regresando a los orígenes (como The Sword, The Answer, Graveyard, Howlin Rain) es lo que se llama retro rock, que combina el stoner, el rock duro clásico y amplias dosis de psicodelia, todo marcado por una potente y marchosa base rítmica. Las señas de identidad de Kadavar son los grandes cambios de ritmo, las adictivas guitarras y la psicodelia, como podemos apreciar en la inicial y single, Come Back To Life, totalmente añeja y sesentera (parecen tomar el releveo de los desaparecidos Wolfmother). Lo que ocurre es que las influencias Black Sabbath y Zeppelin son muy evidentes (en todas estas bandas), como demuestra densidad y ritmo cadencioso a lo Sabbath en Doomsday Machine, o un claro aire a los Zeppelin en Black Shake, con aires progresivos y bluseros. Aunque Kadavar son más marchosos en temas como Eye Of The Storm, llena de dinamismo en el bajo y las guitarras, o Dust, un corte muy directo lleno de marcha. Otra de las destacadas es Fire, un tema cambiante que va creciendo con grandes desarrollos melódicos. Junto con Liquid Dream, donde toma protagonismo la psicodelia, con curiosos efectos de teclado y guitarra es un corte muy rock espacial. Esa debe ser la línea para la evolución de Kadavar, dejar atrás las influencias Sabbath y centrarse en su hard rock marchoso, de momento, han logrado un Notable disco de debut.


Lingua Mortis Orchestra feat Rage - Lmo. Nuevo proyecto orquestal de Rage, sobre todo de Victor Smolski, que es el que compone el grueso de este Lmo, con la colaboración de la Lingua Mortis Orchestra, aunque el nombre rece al contrario. El disco arranca con la larga y épica Cleansed by Fire, perfecta simbiosis entre el coro, la melodía y la orquesta con un gran dueto entre Peavy Wagner y la soprano Dana Harnge, en una perfecta fusión vocal que alcanza su cenit en el colosal estribillo, que preside este auténtico pelotazo de metal orquestal. Pasando por la potencia típica de Rage en Scapegoat, genial fusión del trabajo orquestal con el metal más potente lleno de poderosos riffs de guitarra y batería. The Devil’s Bride, es otro cañazo de metal orquestal que se enriquece por la presencia de la voz Jeannette Marchewka, que se une a Peavy y Dana, creando un juego vocal de gran lirismo en otro soberbio estribillo. Llegamos a la gran balada Lament, que parte de una sublime melodía de piano en un gran derroche de sentimiento y clase, que se une al interludio instrumental Oremus, donde se luce en virtuoso Smolski. Para pasar a Witches Judge, otro verdadero cañonazo en el que Smolski logra unir sus melodías de guitarra con la cuerda de la orquesta. Para terminar la extensa y épica Eye for an Eye, con otros de esos gloriosos estribillos marca de la casa y el lucimiento del trío vocal. Junto con la final y bella Afterglow, un genial medio tiempo que pone el broche de oro a un Sobresaliente disco. Lmo es una perfecta, y pocas veces conseguida, fusión entre el metal y orquesta que no te puedes perder. 


Mercenary - Through Our Darkest Days. Mercenary cuenta con una larga carrera y a pesar de los importantes cambios sufridos en su formación, sólo quedaron Martin y René Pedersen como estandartes de la banda, sigue facturando grandes disco de Metal (death) melódico. Si gustan del metal que combina las voces guturales con voces impolutas y estribillos de una melodía casi popera, y no conoces Mercenary, te los recomiendo encarecidamente. Además en Through Our Darkest Days dan una vuelta de tuerca más a la melodía, con unas impresionantes voces limpias de René Pedersen. El potencial del disco está en una cuidadas melodías vocales y unos estribillos sublimes en un inicio de disco sensacional con A New Dawn. Los cañonazos pegadizos se suceden Through Our Darkest Days, Welcome the Sickness o la fantástica A Moment of Clarity, llenas de colosales melodías y coreables estribillos. Pero el temazo llega con Dreamstate Machine, grandes riffs de guitarra y uno de los estribillos del año, con lucimiento vocal para René, en uno de los temas de metal melódico de 2013. Para pasar a unos temas más rollo modern metal como son Beyond This Night y Starving Eyes y seguir con los grandes estribillos de Generation Hate, aunque tengo que decir que siguen en la misma línea, y el final del disco pierde algo de interés. En definitiva, Notable disco de Mercenary, del que disfrutaran los amantes del Metal (death) más melódico y pegadizo. 


Orphaned Land - All Is One. La sorpresa de este verano nos ha llegado de Israel, de la mano de Orphaned Land, que combinan el metal progresivo con el folk de Oriente Medio y el mundo árabe, siendo una de las apuestas más interesantes y originales del panorama musical actual. Sus anteriores discos, demasiado complejos y extremos, no me dijeron demasiado, pero All Is One supone una acertada evolución dejando atrás las voces extremas y centrándose en la fusión de estilos, las orquestaciones y los arreglos llenos de folk oriental. Orphaned Land se nos revela como una de las bandas más inspiradas, al combinar melodías árabes y orientales que desembocan en canciones de desbordante positivismo. El mejor ejemplo es el tema que abre el disco, el homónimo All is One, laudes y guitarras en un perfecta y positiva combinación entre las Mil y una Noches y el metal, sensacional. Al igual que The Simple Plan, Brother o Let the Truce be Known, tres maravillas llenas de bellas y delicadas melodías, en las que las orquestaciones y los ritmos exóticos se fusionan con el metal en soberbios estribillos. Con Through Fire and Water entramos de nuevo en Arabia con un gran duo vocal, para pasar al mundo hebreo con Freedom (grandes guitarras españolas), Shama’Im o Ya Benaye en las que dan rienda suelta al folclore de su tierra. Y cerrar con la progresiva Our Own Messiah, y el sublime medio tiempo Children lleno de guitarras e instrumentos de cuerda. Con el Sobresaliente y sorprendente All Is One Orphaned Land se convierten en uno de los grupos mas originales y con mas futuro del metal actual, sin duda, para mi, el grupo sorpresa de 2013. 

En Septiembre: Alter Bridge, Dream Theater, Kings of Leon, The Answer...

miércoles, 18 de septiembre de 2013

Grandes Iconos Universales XVI: Las tres Gracias, Pedro Pablo Rubens, 1630-1635.

Las tres Gracias.
En el siglo XVI la escuela flamenca había perdido la originalidad que atesoraban los llamados primitivos flamencos, en el XVI las musas y Gracias se trasladan a Italia, pero en el s. XVII una genial figura otorga nuevamente un carácter peculiar a la pintura de Flandes, el gran Pedro Pablo Rubens. El catolicismo mantenido por la presencia de los españoles hace que mantenga los temas religiosos, con un optimismo y cariz alegre. Rubens se decanta por los aspectos placenteros de la existencia, temas costumbristas, paisajes, bodegones y naturalezas muertas, grandes piezas de caza y opulencia de mesas que rebosan frutas y manjares (frente a la austeridad franciscana de los españoles) y, sobre todo, el tema mitológico, que sublima y renueva formalmente.

Autorretrato, 1617, Galería de los Uffizi, Florencia.
Pedro Pablo, nace en Alemania, y tras su paso por Venecia, se traslada a vivir a Amberes, gran puerto de Flandes y su verdadera patria, donde forjó su original estilo y estableció un taller en el que trabajaron numerosos ayudantes y aprendices. En Rubens el Barroco brilla con inusitada vitalidad, sus viajes constantes, como diplomático, a España e Italia (fue el pintor favorito de Felipe IV) otorgan a su pincel un tono clasicista en los temas mitológicos. Su estilo se basa en la exaltación del color, el movimiento y la forma gruesa, en esa forma reside su originalidad. La gama de colores utilizados, la soltura de la pincelada, el uso de la paleta adquieren una intensidad pocas veces alcanzada, frente a otras obras, incluso las del glorioso Velázquez, que en tantos aspectos le supera, se nos muestran opacas o con escaso brillo frente al cromatismo del maestro flamenco.

El original y grueso Juicio de París. 
Sus composiciones adquieren un dinamismo extraordinario, representa los músculos en una inusitada tensión, apostando por diagonales enérgicas, como sus árboles, que se retuercen como sarmientos, o suelos ondulantes, dejando de lado la vertical, la horizontal y el estatismo. Rubens representa a sus mujeres gruesas, mostrando su inclinación hacia la figura redonda, muy propicia para la pintura. Su obra es enorme, en la actualidad se atribuye parte de ella a su taller, marcada por las formas gruesas y ondulantes y una gran riqueza de color y movimiento. Y, sobre todo, en sus obras mitológicas se revela como gran interprete de la fábula pagana, con una nueva y gruesa concepción del desnudo femenino (que tendría sus orígenes en Tiziano), destacar sus excepcionales obras: Diana y sus ninfas perseguidas por los sátiros (Museo del Prado), marcada por el contraste entre los músculos broncíneos de los sátiros y las pieles nacaradas de las ninfas, El Juicio de París o su espectacular Saturno, no obstante, su cenit llega con Las tres Gracias.

Diana y sus ninfas perseguidas por los sátiros.
En Las tres Gracias, Rubens revoluciona el tema mitológico dando rienda suelta a su devoción por las formas femeninas ampulosas. Para representar a las tres Gracias, en total contraposición con las representadas por Botticelli en su Primavera (ver Grandes Iconos Universales XIV: La Primavera, Sandro Botticelli) o por Rafael en sus Tres Gracias, marcadas por la castidad y el idealismo, mientras que Rubens se centra en la sensualidad y el movimiento. Rubens revoluciona la representación de las tres Gracias, que eran diosas menores, que solían presidir banquetes, las danzas y celebraciones. Las tres Gracias latinas se corresponden en la mitología griega con las Cárites, que eran las tres hijas de Zeus y Eurínome, y pertenecían al séquito de Afrodita. Eran tres: Aglaya, la más joven y bella, que simboliza la inteligencia, Eufrósine, que representa el placer y la alegría y Talía, musa de la comedia y de la poesía bucólica. Según el mito las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría, pero no sólo eso sino también la elocuencia, la sabiduría y la libertad. Se creían que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para ser un excepcional artista. Siempre estaban danzando, de modo que siempre se las ha representado en el momento de unirse para iniciar su grácil danza.

Centro de la sublime composición de pieles, transparencias y gestos.
Rubens respeta el modelo clásico de representación, pero innova en las formas y en las maneras de relación entre las figuras, creando un grupo lleno de unidad y sensualidad. Rubens utiliza una sublime composición en guirnalda elíptica al enlazar las tres figuras femeninas conectadas entre sí a través de los brazos, la trasparencia de sus velos y la psicología de sus miradas, dando una gran unidad al grupo. Además de mostrar una excelsa sensación de movimiento y gracia en unas figuras llenas de ampulosidad de sus contornos. El detalle de las flores en la parte superior de dicha guirnalda y el sutil y brillante paisaje de fondo acentúan la belleza del conjunto. 

Gran unidad del grupo con sus miradas y conexión en mediante los brazos y manos.
Un fuerte foco de luz resalta el colorido de la piel y las gruesas formas de las muchachas, en cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las dos esposas del pintor, Isabella Brant y Hélène Fourment, sobre todo de la segunda. Parece claro que la obra nos trasmite sensualidad y felicidad a partes iguales, algo común en las pinturas de la última etapa de Rubens. Para muchos Las tres Gracias son un declaración de amor y felicidad de Rubens por su matrimonio con la joven Helena Fourment, que tuvo lugar en diciembre de 1630.

Parte superior de la composición en guirnalda, llena de belleza.
Evidentemente, Rubens traslada su gusto personal por las mujeres gruesas, pero proporcionadas y elegantes, a su pintura, cambiando y revolucionando el canon de belleza. Además de sublimar la sensación de movimiento y gracia de las tres figuras entradas en carnes, que irradian belleza, luz y sensualidad. Rubens consigue, como sólo los grandes pueden, hacer que como espectadores nos integremos y nos sintamos participes de la escena. Creando un gran icono universal original e innovador, que ha marcado la mirada del hombre y de la humanidad desde el mismo momento que fue concebido. 

Bibliografía: 
G. Néret. Pedro Pablo Rubens. 1577-1640. El Homero de la pintura. Taschen Benedikt, 2006. Hans Vlieghe. Arte y arquitectura flamenca, 1585-1700. Madrid, Cátedra, 2000. 

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