jueves, 19 de julio de 2012

Grandes Iconos Universales X: La Fragua de Vulcano, Velázquez, 1630.


En el año 1630 Velázquez llega a Roma, donde va a permanecer un año, siendo el favorito del Cardenal Francesco Barberini (sobrino del Papa Urbano VIII). Durante ese tiempo se dedica a estudiar los frescos de Rafael en las estancias de los Palacios Vaticanos, donde Velázquez reside, y los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Los reproduce a lápiz y van a ser fundamentales para el pintor, quedando embargado por un velado clasicismo que se hará evidente en sus obras. Además pedirá permiso al Duque de Toscana para residir en la Villa Médicis, donde se aloja dos meses y se empapa de los clásicos de la Antigüedad. Esa influencia del clasicismo se hace patente en los dos principales lienzos de esta época, La Túnica de José y, sobre todo, La Fragua de Vulcano

Vulcano.

Una obra que fue pintada por iniciativa del propio Velázquez y en la que podemos apreciar como su estancia en Italia había modificado notablemente su técnica y estilo. Ya que introduce los modelos y elementos que había estudiado en Roma: mayor sentimiento en un colorismo muy veneciano, su pincelada es más segura y suelta. Además en Roma conoció a contemporáneos suyos como Poussin, se encontró como pez en el agua en esas Academias de Roma y Venecia guiadas por el espíritu libre, donde analizar el paganismo y la mitología serán la base para entender la religión. Cuando Velázquez regresa a Madrid en diciembre de 1631 ya es el más grande pintor de su tiempo, y lo demuestra en su excepcional Fragua de Vulcano.

Idealización de Apolo frente a la humanización de Vulcano.

La Fragua de Vulcano representa el momento en el que un joven Apolo comunica al tullido herrero Vulcano (Dios del fuego y los metales) que su esposa, Venus, había cometido adulterio con Marte, dios de la Guerra, según Palomino... Vulcano (asistido de aquellos jayanes cíclopes en su fragua) tan descolorido, y turbado, que parece que no respira...”. Ante la turbación generada por la noticia Vulcano abandona su trabajo en la fragua, un trabajo que curiosamente era para Marte, el herrero Vulcano estaba trabajando en las piezas de la armadura del Dios de la Guerra. Este episodio es descrito por Ovidio en sus Metamorfosis (4, 171-176) y Velázquez lo representa de forma excepcional sublimado y humanizando un tema mitológico. La sensación de petrificación y turbación de Vulcano y su fragua al recibir la noticia es conseguida de forma sublime por Velázquez.

Los grandes estudios anatómicos de los miembros de la Fragua.

La obra revela de forma clara la influencia que Italia tiene en el pintor, están presentes los ecos de Rafael, Miguel Ángel, Guido Reni o de la estatuaria clásica. Esa influencia la vemos en la figura de Apolo al que representa como un jovenzuelo de rostro especialmente delicado y dulce. Un adolescente rubio de piel nacarada vestido con un manto amarillo y cuyo rostro está cubierto por una aureola de rayos, esos rayos iluminan en parte la penumbra de la fragua. La luz que irradia el joven dios del sol anima la oscuridad de la composición, una fragua solo iluminada de forma tenue por una chimenea en el fondo. En el estudio preparatorio (colección privada de Nueva York) el rostro es aún más dulce, lánguido y sentimental. 

Imagen de Apolo en el boceto previo.
Apolo en la Fragua.
La idealización de Apolo contrasta con las figuras y anatomías de Vulcano y sus ayudantes, que se representan como rudos trabajadores curtidos en el fragor de la herrería. Sus músculos tensos y extraordinarios estudios anatómicos nos reflejan la influencia que en Velázquez tuvo la estatuaria clásica. Los rostros de Vulcano y sus herreros son sensacionales, al expresar de forma sensacional la turbación provocada por la noticia que les da Apolo, todos cesan su trabajo de inmediato, es una instantánea impresionante, todos miran y escuchan con estupor al inesperado visitante. La disposición de las figuras responde al interés de Velázquez de conseguir un efecto espacial, de manera que dispone las figuras en diferentes planos, logrado una perspectiva magistral. Gran maestro de la luz, Velázquez logra con ella modelar la estructura de los cuerpos mostrando unos huesos y musculaturas muy clásicas. Destacar elementos cálidos y luminosos como el trozo de metal enrojecido por el fuego que sujeta Vulcano en su yunque, las llamas en la chimenea del fondo o la luz que irradia la chimenea que nos muestra los cuerpos de los herreros. 

Apolo.
La Fragua de Vulcano muestra la evolución del pintor desde su etapa sevillana, enriqueciendo sus obras con nuevos elementos estilísticos tomados de su estancia en Italia. Destacar las sublimes sandalias de Apolo por su delicado colorido azulenco, la magistral jarra de cerámica blanca que sitúa sobre la chimenea o el azul del cielo que podemos apreciar a través de la puerta de la estancia, situada detrás de Apolo, todos elementos novedosos que animan extraordinariamente la composición. 

Estupefacto rostro de Vulcano.
Lo más destacado de la Fragua de Vulcano, desde mi punto de vista, es como Velázquez humaniza el mito, por la utilización de modelos humanos populares, cuasi vulgares. No es que quiera burlarse del mito, lo que intenta y consigue es mostrarnos el mito como una acción meramente humana. Esa novedosa forma de tratar el mito convierten a esta bella escena mitológica en algo sublime y sensacional. Una de esas obras que no te cansas de mirar, y que trasmite y emociona a partes iguales, otro gran icono universal del para mi mejor pintor de la Historia del Arte.

viernes, 6 de julio de 2012

Novedades musicales destacadas, junio 2012.


Circus Maximus - Nine. Tercer disco y sensacional disco estos noruegos progresivos, después de sus anteriores: The 1st Chapter e Isolate, con los que sorprendieron a toda la escena del metal progresivo, ahora dan el salto definitivo con un disco que debe suponer su consagración. Nine es su mejor y más logrado disco los elementos de discos anteriores están aquí sublimados: mucha técnica, dulces melodías, cambios de ritmos, una excelente sección rítmica, unas guitarras increíbles a cargo del genial Mats Haugen y una de las voces más preciosistas de la actualidad, Michael Eriksen. Nine es un disco atractivo, fresco y lleno de clase, no hay más que escuchar Architect of Fortune, quizás el tema progresivo del año, 10 minutos de auténtica montaña rusa de cambios de ritmo, melodía y melancolía. La elegancia y el sentimiento serían las palabras que mejor definen a Circus Maximus en canciones como la mecánica e imponente Namaste, la original y pop-progresiva Game Of Life, la hipnótica y positiva Reach Within, o la alucinante y neo-progresiva I Am, cortes tremendos y muy pegadizos. También encontramos densidad y caña en Used, melodía y genialidad progresiva en The One, o la magistral y llena de feeling Burn After Reading, con un gran final prog-épico con Last Goodbye. Tremendo disco de Circus Maximus, en el que se desprenden de comparaciones con otros grandes (Dream Theater), y se confirman como una firme realidad del metal progresivo. Sobresalientes. 


Fear Factory - The Industrialist. Uno de los grandes grupos del metal progresivo por discos como Obslete, y sobre todo, su obra maestra Demanufacture (uno de los grandes discos de los 90) regresa a la actualidad. Siguiendo la senda correcta iniciada por su anterior y destacable Mechanize, que recuperaba a los Fear Factory más abrasivos y potentes, dejando atrás discos que, desde mi punto de vista no estaban a la altura, como Digimortal o Transgression. Fear Factory vuelven a ser una factoría de miedo bien engrasada y lo demuestran con The Industrialist un disco potente, oscuro y demoledor en el que recuperan su sonido clásico de metal industrial y afilado. Desde los primeros momentos con The Industrialist nos encontramos con los poderosos y cortantes riffs de guitarra del orondo Dino Cazares y la voz gutural y melódica de Burton C. Bell, todo potencia industrial que te da un puñetazo en la cara. Baterías veloces y cambios de ritmo frenéticos en Recharger, todo tiene un aire muy mecánico y robótico como en New Messiah. Brutalidad y melodía con recuerdos constantes a Obsolete /Demanufacture en God Eater, Depraved Mind Murder y, sobre todo, Virus of Faith, una de mis favoritas, junto con la final Human Augmentation. En definitiva, un disco Notable con una gran producción, que nos demuestra que Fear Factory están de vuelta y más vivos que nunca. 


Gotthard - Firebirth. Gotthard es, simplemente, mi grupo favorito de hard rock, fue muy duro recuperarse de la muerte de su cantante Steve Lee, uno de los vocalistas con más carisma y simpatía que he tenido la suerte de ver en mi vida. Gotthard se quedaban sin su voz y su arrolladora personalidad, un golpe muy profundo del que pensé que iban a tener grandes problemas para levantarse. Pues Gotthard se han levantado y de que manera, haciendo el mejor homenaje que podían hacer a mi querido Steve Lee seguir haciendo buena música, con un disco a la altura de sus tres ultimas obras maestras. El nuevo cantante Nic Maeder mantiene intacta la esencia de Gotthard, tiene una tesitura vocal muy similar a la Steve y además tiene gran amplitud de matices vocales y como compositor. Firebirth es un gozada rockera con gran protagonismo para las guitarras de Leo Leoni, ritmos llenos de marcha, coros pegadizos, todo el disco está lleno de hard rock vitalista y que trasmite un buen rollo increíble. Desde el inicio con Starlight vemos a los Gotthard más marchosos y rockeros. En Give Me Real encontramos grandes riffs de guitarra, en un corte muy potente y dinámico. La ya conocida Remeber It’s Me nos enseña a los Gotthard más sensibles y acústicos, tema en el que Nic Maeder demuestra su gran capacidad para trasmitir sentimiento y emoción. Fight es otro corte contundente, gran tema de harck rock que parte de un gran bajo y un estribillo, simplemente, sensacional. Toque comercial y festivo lo encontramos con Yippie Aye Yay, un corte muy vacilón que engancha a la primera. La variedad y equilibrio marcan el disco ahora es el turno para la gran balada Tell Me, llena de sentimiento y con un piano sensacional de Maeder. Todo es elegancia y feeling en la gran Shine o la hardrockera y tremenda The Story´s Over, ambas 100% Gotthard. Para pasar a su vena más contundente, marchosa y macarra con dos cortes directos y crudos como Right On y S.O.S. Esa combinación de belleza y elegancia (Take It All) con vitalismo marchoso (I Can) es una constante dando como resultado un disco tremendo y variado. Y cierran con Where Are You, una maravillosa balada homenaje a Steve Lee, en la que nos emocionan. Un disco Sobresaliente que demuestra que Gotthard tienen futuro, y mucho. 


Gun - Break the Silence. Interesante nuevo disco de esta clásica banda de rock escocesa tras muchos años de silencio discográfico, concretamente su último disco de estudio es de 1997. De ahí que su título no pueda ser más oportuno, rompe el silencio, y Gun lo hace con un gran disco de hard rock americano con un sonido y una producción muy buena y actualizada. Los cortes llenos de energía, melodía, grandes coros, estribillos coreables, grandes guitarras y mucho dinamismo se suceden. Combinan los temas enérgicos como la inicial Butcher Man, de grandes guitarras como en 14 Stations o Bad Things. Con el hard rock más comercial y radiable de Lost & Found, Caught in the Middle o Break The Silence, de ritmos muy pop, casi bailables. Junto con grandes baladas como How Many Roads y logrados medios tiempos como Running Out Of Time. No llegan al nivel de sus dos primeras obras, el tremendo Taking On the World y el destacable Gallus, pero nos ofrecen un disco variado y con un gran sonido combinando su clásico hard rock comercial con la modernidad de la producción. En definitiva, Interesante regreso. 


Hartmann - Balance. El gran cantante Oliver Hartmann nos deleita, una vez más, con su ya cuarto disco llamado sencillamente Balance. Han pasado 7 años de su excelente disco de debut con el que sorprendió a todos los fans del hard rock melódico. Y tras su destacado Home, y su algo más irregular 3, regresa con Balance, un tremendo disco lleno de sublimes y logradas melodías. Desde los primeros acordes de la inicial All My Life estamos ante una gozada sonora para los amantes del rock duro más melódico y preciosista. Los temas están llenos de grandes teclados, coros, estribillos marca de la casa, grandes melodías de guitarra y voz, y la profundidad vocal de Oliver. Like a River es armónica y coreable por su sensacional estribillo, You Are The One parte de una sublime melodía de bajo en otro corte para cantar sin parar, Fool For You tiene un aire sureño americano fantástico, y junto con la preciosa balada After The Love Has Gone completa un arranque de disco sensacional. Muy hardrcokera es Save Me marcada por potentes guitarras, de nuevo, grandes armonías en Fall From Grace, en From A Star, otra gran balada como llena de belleza acústica y épica, o en The Best Is Yet to Come. Y entre medias nos regala una tremenda versión del Shout de Tears For Tears a la que da su toque hard rock y además le queda muy moderna y contundente. Gran disco de Hartmann que hará las delicias de los fans del hard rock melódico. Notable alto.


Linkin Park - Livings Things. Linkin Park irrumpió con fuerza en la escena new metal americana allá por el año 2000 con su original Hybrid Theory y su continuador Meteora. Un espectacular arranque de carrera musical que tuvo un gran éxito de crítica y público. Una carrera corta y meteórica a la que quisieron dar un giro en el año 2007 con un, para mi, destacable Minutes to Midnight en el que levantaron el pie del acelerador rap-metálico y se acercaron al rock más moderno y comercial. Sin embargo, ese cambio musical derivó hacia baladas, ritmos lentos soporíferos y electrónicos de su anterior A Thounsand Suns, todo hip-hop, melancolía y electrónica. Lógicamente, Livings Things sigue esa apertura musical de Linkin Park y pasan de puntillas por el metal, para adentrarse en el rock electrónico comercial. Desde mi punto de vista, supera su anterior disco pero sigue sin convencerme del todo. No hay casi guitarras todo es electrónico, algún pequeño guiño al pasado con el inicial y destacable Lost in the Echo, destacar cortes cálidos, intensos y pegadizos como el single Burn It Down, Lies Greed Misery, Victimized o Castle of Glass. Un disco corto y menos aburrido de lo esperado, pero igualmente denso y falto de energía metálica. En definitiva, Aceptable regreso de Linkin Park.


Rush - Clockwork Angels. La mítica banda de rock progresivo regresa con nuevo trabajo, cinco años después del genial Snakes & Arrows, que fue todo un ejercicio de perfecto hard rock progresivo moderno. Ahora el trio de virtuosos formado por Geddy Lee, Alex Lifeson y Neil Peart nos ofrece un disco mas melódico y cercano a sus clásicos de los 70, sobre todo en las melodías y arreglos. Los efectos y sintetizadores se unen a su bestial técnica instrumental. El comienzo del disco es sensacional con Caravan y BU2B, dos grandes temas de hard rock progresivo actualizado y enérgico. Los grandes riffs y una poderosa base rítmica lo inundan todo en temas como: la hipnótica y melodica Clockwork Angels, la hardrockera y sentimental The Anarchist, la tremenda y llena de garra Carneis o Seven Cities of Gold. Las dulces melodías se imponen en Halo Effect o The Wreckers, para llegar al gran tema del disco, Headlong Fight, todo un estallido instrumental y verdadera exhibición de cambios de ritmo y genialidad de tres grandes músicos. Para terminar con la melodía de Wish Them Well y la exquisitez orquestal de la balada The Garden. En definitiva, Rush ofrecen de nuevo un disco fresco y lleno de calidad, que hará las delicias de los fans del rock progresivo y de esta gran banda que no defrauda nunca tras veinte discos de estudio, hay es nada. Notable. 


Slash - Apocalypse Love. Slash, uno de los grandes guitarristas del rock parece que está creándose una sólida carrera en solitario. Ya su anterior y homónimo Slash era un gran disco en el que parecía demostrar que podía componer y tocar todos los estilos dentro del rock duro para los grandes y diferentes cantantes que le acompañaban. Uno de esos grandes cantantes es Myles Kennedy (Alter Bridge) que ha pasado a formar parte estable de su grupo. Myles ha sabido adaptar su versátil voz y su bajo a la guitarra de Slash, profundizando la nasalidad de su voz, y dando un aire a los primeros Guns And Roses, pero lógicamente actualizados. Apocalypse Love es un gran disco de rock americano macarra y modernizado en el que Myles y Slash derrochan clase, calidad y actitud. Los temas directos de hard rock actual se suceden One Last Thrill, Standing in the Sun, You´re A Lie, temas llenos de olor a gasolina y carretera y las tradicionales líneas de guitarra de Slash. Puro rock lleno de clase en No More Heroes, Halo, We Will Roam, todos son hits directos en los que podemos apreciar la gran fusión entre la guitarra de Slash y la poderosa voz de Myles. Las melodías son también sensacionales como en la estelar Anastasia, el tema del disco, o la preciosa Not For Me. En definitiva, si te gusta el rock americano actualizado y quieres disfrutar de la mejor versión de Slash en años, no lo dudes, Apocalypse Love es tu disco. Notable Alto.


The Cult - Choice of Weapon. The Cult, esa gran banda de hard rock británica responsable de auténticas gozadas musicales como Electric o Sonic Temple, y que se vio afectada por la crisis del hard rock de principios de los 90. En la época de su destacado y poco valorado Ceremony y su homónimo de The Cult, que supuso su descalabro comercial. Una banda que no se rindió y regresó en 2001 con un gran disco como Beyond God and Evil. Ahora demuestran estar más vivos que nunca, después de su algo irregular Born Into This, con Choice of Weapon lanzan su mejor disco desde el Sonic Temple. Astbury y Duffy han conseguido aunar pasado, presente y futuro con su gran y logrado sonido propio y sus tradicionales influencias. Todo está lleno de grandes riffs, coros femeninos, sensacionales pianos, una gran y dinámica base rítmica (Chris Wyse al bajo y la batería de John Tempesta), junto a un Ian Astbury que demuestra estar en gran estado de forma. Todos esos elementos los apreciamos desde la inicial Honey From A Knife, pasando por el medio tiempo zeppeliano Elemental Light, la rockera y tremenda The Wolf, que te retrotrae a sus clásicos, la gran balada Life > Death, gran solo y piano, de lo mejor del disco. Un gran inicio completado por las dinámicas For The Animals, gran single, y Amnesia, junto con otra balada llena de alma y sentimiento llamada Wilderness Now. El disco no decae en ningún momento con el retro rock de A Pale Horse, la caña de Lucifer, o la oscuridad de Until The Lights Takes Us. Tremendo regreso, los fans de The Cult estamos de enhorabuena. Notable Alto