viernes, 27 de abril de 2012

Grandes Iconos Universales IX: La Madonna Sixtina, Rafael Sanzio, 1512-1514.


La Madonna Sistina es una de las obras más admiradas y célebres de Rafael Sanzio, quizás la más bella Madonna con niño de la Historia del Arte. El lienzo fue realizado para los monjes negros de la Iglesia de San Sixto de Piacenza, con la idea de colocarla en el altar mayor. El propio nombre del lienzo deriva de esa Iglesia de San Sixto, aunque no se conocen con exactitud las circunstancias en las que la pintura fue encargada por los monjes. Lo más probable es que fuese un regalo al Papa Julio II de los monjes y el municipio de Piacenza por el apoyo del Papa durante la guerra con Francia, durante la que los franceses ocupan todo el norte de Italia. Éstos fueron finalmente expulsados en 1512 y Rafael empezó a pintar su Madonna Sixtina entre ese 1512 y el 1514, año en el que la Iglesia de San Sixto fue consagrada de nuevo tras una gran reforma y restauración. Además se produce la muerte de Julio II y la pintura se interpreta como una obra hecha en su memoria. Esa es la teoría más plausible, que la Madonna estuviera destinada a la tumba de Julio, por las grandes donaciones que el Papa, gran devoto de San Sixto, había realizado a la dicha Iglesia. Además en sus retratos Julio II siempre siempre aparece acompañado por San Sixto. La pintura también es célebre por el enorme precio pagado por Augusto III de Polonia, quien pagó 25.000 escudos romanos a los monjes para llevarse la pintura a Dresde (Alemania), donde se encuentra en la actualidad, en Gemäldegalerie Alte Meister o Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos. 


En el lienzo Rafael crea el prototipo de Virgen idealizada representándola junto al Niño Jesús, San Sixto y Santa Barbara en una sencilla composición romboidal llena de belleza y espiritualidad. Las figuras son etéreas y divinas, para ello Rafael las representa livianas sobre un manto de nubes y rodeadas por un cortinaje verde abierto, para dar sensación de dramatismo. Es impresionante como parece que las figuras crean ese propio espacio imaginario lleno de divinidad. Las tres figuras son impresionantes, La Virgen se sitúa en el eje central de la composición, acompañada de santa Bárbara a su izquierda, que parece trasladar su mirada hacia abajo o hacia el exterior terrenal, y de san Sixto a su derecha, que con su mano derecha señala también hacia exterior no divino, hacia el espectador o creyente. Una vez más Rafael se muestra como el gran maestro de la humanización de las figuras, de esa manera el fiel se siente identificado y más cercano a los santos y la divinidad. Además Rafael consigue envolver al espectador con una perspectiva sublime marcada por las miradas de los personajes, que otorga una gran tensión a la escena, y fija nuestra mirada en el eje de la composición, esto es, la Madonna y el niño en sus manos, todo un símbolo de redención. La simetría de la composición es tremenda en una escena marcada la dulzura que se trasmite mediante unos colores fríos llenos de brillantez. Rafael logra generar una luz irreal y dorada que insufla a las figuras una eterna majestad y espiritualidad. Y como gran maestro de volumen nos presenta unas figuras de aspecto escultórico, otorgando a la luz y la sombra mucha importancia para generar figuras de una elegancia sobrenatural.


La figura de la Madonna con el Niño en sus brazos es la más majestuosa de todas las representaciones que Rafael hizo de la Madre de Jesús, su grandeza y naturalidad son sublimes. Además la Virgen parece descender desde mundo espiritual hasta mundo real del creyente, e incluso da la sensación de ir hacia delante, muy en la idea de intercesión de la divinidad con el fiel. Es una de las idealizaciones de la Virgen más famosas de la Historia, reproducida y repetida constantemente por su acentuada espiritualidad. Nuestra mirada se detiene en la forma en que nos miran los ojos del niño y su madre, es todo ternura y naturalidad. Sus rostros expresan tristeza, la Virgen anticipa en sus ojos el sacrificio de su hijo en la cruz.


A la derecha la figura de Santa Bárbara, cuyo modelo fue tomado por Rafael de la sobrina de Julio II, hace una elegante genuflexión en frente de la Virgen y el niño, pero su mirada se dirige hacia abajo, hacia los angelitos de la balaustrada inferior, de los que luego hablaremos, tras ese balaustrada esta el mundo terrenal del creyente.  


A la izquierda la figura de San Sixto, parece que el modelo de Rafael fue el propio Julio II, que se arrodilla de forma celestial sobre las nubes haciendo una reverencia a la visión divina de la Virgen y al Niño. San Sixto fue uno de los primeros obispos de Roma y murió martirizado en el año 258. Su mirada esta fija en la Madonna y está cubierto con una solemne capa dorada. Un detalle interesante y curioso es que su mano derecha, la que se encuentra adelantada hacia el espectador, tiene seis dedos. Parece ser que Rafael quiso simbolizar de esta extraña manera el sexto sentido y carácter profético del Papa Julio II. 


En la parte inferior encontramos la verdadera razón por la que la Madonna Sixtina es conocida en el mundo entero y se ha convertido en un gran icono universal. Son los dos pequeños angelitos del borde inferior del rombo de composición, que parecen estar posados en esa balaustrada de madera, al lado de la famosa tiara papal. Esos dos pequeños se han convertido en un símbolo del Renacimiento, de Italia y del mundo occidental, y han sido reproducidos y comercializados de forma constante y quizás excesiva. Dos pequeñas figuras que son el arquetipo de Putti renacentista (Putto en italiano significa niño), que son ángeles regordetes de mejillas sonrojadas, que expresan una ternura y candidez absolutas.


Los Putti representan de forma sublime el afecto y tristeza de la Virgen y el niño, y dirigen su mirada hacia arriba en un gesto con el que Rafael acentúa la separación entre el mundo divino y el terrenal. Con ellos Rafael añade un nota de encantado e informalidad al lienzo, para algunos esa madera o balaustrada sobre la que descansan sería la propia madera del ataúd de Julio II. Estos angelitos son el paradigma de la naturalidad, la belleza y la ternura de la pintura de Rafael, que en esas dos pequeñas figuras alcanza un nivel sobrenatural. Son símbolo y cenit del ideal de Belleza del Renacimiento, por ello se han convertido en otro gran icono que ha marcado la mirada del hombre.

Bibliografía: 
Raffaello, I maestri della pittura dal Rinascimento ai grandi protagonisti dell’arte moderna. Galleria d’arte, Volume 16. 2001.
Wölfflin, H. El arte clásico, una introducción al Renacimiento Italiano. Madrid, 1985.

martes, 17 de abril de 2012

Personajes singulares de la Historia XV: Giacomo Casanova.


En el año 1725 nace en Venecia el famoso aventurero, filósofo y escritor Giacomo Girolamo Casanova, que pasará a la posteridad por sus innumerables conquistas y relaciones amorosas. Unas aventuras que conocemos a la perfección gracias a su célebre obra autobiográfica, la Historia de mi Vida o Histoire de ma vie, un fiel retrato de sus aventuras, viajes y devaneos amorosos. Una obra que Casanova, uno de los hombres más cultos de su época, escribe en francés según sus propias palabras: “he escrito en francés, y no en italiano porque la lengua francesa está más extendida que la mía”. Hijo de comediantes, pronto demuestra su capacidad intelectual y a los trece años acaba sus estudios de Derecho en la Universidad de Padua. Una carrera meteórica que le lleva a servir al Cardenal Acquaviva, embajador español en Roma. Estamos ante un gran intelectual de su época, domina el francés y desarrolla un gran interés por la ciencia, la química y la medicina. Además era una gran violinista y tenía una especial habilidad en el manejo de la espada.

Retrato de Casanova realizado por su hermano Francesco.

Sus obras, como la Demostración geométrica de la duplicación del cubo, nos hablan de su extraordinario conocimiento de las ciencias, que curiosamente combinaba por su gusto por la magia y las ciencias ocultas. Unos conocimientos autodidactas que le sirven para urdir sus famosos timos, se valía de su inteligencia superior para prosperar en la vida, utilizando algunas veces una metodología poco lícita. Él mismo reconoce en su autobiografía “no pretendo contarme entre los hombres honrados”. Mencionar que logró convencer a la marquesa d’Urfe de París que podía trasladar su alma al cuerpo de un recién nacido. Su sagacidad e inteligencia le hacen célebre por sus conquistas amorosas y le abren las puertas de los círculos de intelectuales de todos los países que visitó, de esa manera se relacionó con grandes de su época, como los enciclopedistas Diderot y D’Alembert. Desde 1753 paso a formar parte de la masonería francesa, su espíritu aventurero y soñador le lleva a visitar a Voltaire. Con quien no llegó a entablar una amistad profunda por sus diferencias de gusto literario y de pensamiento político, esto es, Voltaire era demasiado idealista para Casanova.

Retrato de Casanova por Anton Raphael Mengs.

Curiosamente, también se cruzó en su camino el mismísimo Benjamin Franklin, con quien trabó amistad en la Academia de las Ciencias de París, donde el político y científico estadounidense hablaba sobre la posibilidad real de los viajes en globo. Y es que Casanova era un visionario soñador, en sus escritos llegó a relatar un viaje al centro de la tierra, anterior al de Julio Verne. Casanova tuvo muchas amantes, pero también tuvo tiempo para trabar amistad con otros grandes intelectuales, como el cantante de opera Farinelli, el arquitecto Sabatini, o el famoso anticuario y pionero de la Arqueología Johan Winckelmann. Su vida está llena de grandes aventuras por toda Italia y Europa, junto con muchos escarceos amorosos que le llevan a ser encarcelado en varias ocasiones. En 1755 es arrestado en Venecia, siendo encerrado en la prisión de los Plomos del Palacio Ducal, bajo acusación de llevar una vida disoluta y realizar practicar oculistas, de la que consigue escapar de forma azarosa en 1756 ayudado por un monje que conoce en prisión. Tras esa aventura, Casanova recibe la Cruz de la Espuela de Oro que le concede el Papa Clemente XIII por su generosa donación de obras a la Biblioteca Pontificia. Le da tiempo a conocer a Catalina la Grande en San Petersburgo. Además de recorrer España entre 1767 y 1769, en Madrid admira las obras de saneamiento llevabas a cabo por Sabatini. Y en 1768 Casanova se encuentra en Barcelona donde es encarcelado por mantener una relación amorosa con la esposa de un Capitán General. Posteriormente, viaja por Italia, en donde continúa con sus escarceos amorosos y visita a su hija, Leonilda en Nápoles, fruto de una de sus muchas aventuras.

Palacio Ducal de Venecia, en su prisión estuvo encarcelado Casanova.

En 1770 logra ingresar en la Academia de la Arcadia, una importante institución humanística formada por grandes artistas y mecenas, cuya sede estaba en el Panteón de Roma. En 1771 se decanta por escribir una obra llamada Lana Caprina, que cuenta las divagaciones de dos profesores universitarios sobre si la capacidad de razonamiento de las mujeres está afectada por el útero, y además llega a traducir La Ilíada de Homero. En 1772 Casanova reside en Trieste donde se dedica a la literatura, compone poemas y comedias, y da forma a su gran obra en siete volúmenes, la Historia de las turbulencias de Polonia. De esa época tenemos un escrito de informante dirigido a la Inquisición de Venecia que describía a Casanova de la siguiente manera: “Va y viene a todas partes, con una cara franca y la cabeza en alto, bien vestido… Es un hombre de unos 40 años como máximo, buen mozo de aspecto saludable y vigoroso, de piel muy morena y ojos vivaces. Lleva una peluca corta de color castaño. Por lo que me han contado, tiene un carácter descarado y despectivo; pero, sobre todo, tiene mucha labia y, por consiguiente, es ingenioso e instruido…”. Con todas esas cualidades no es de extrañar que Casanova logrará seducir mujeres, trabar amistad con intelectuales notables o embelesar a reyes y princesas. Su fama de mujeriego y libertino no le impide realizar una gran producción literaria con 24 obras a sus espaldas. Lo que demuestra que su vida no sólo estaba centrada en dar placer a los sentidos, según sus propias palabras era también muy importante educar y desplegar su notable intelecto.

Casanova en 1788.

Para muchos, al contrario de lo que se piensa, la vida de Casanova no llega a la perversión de su contemporáneo Marques de Sade o a los excesos de Don Juan. Se han calculado unas 130 mujeres con las que mantuvo relaciones sexuales entre 1735 y 1774. Y teniendo en cuenta la libertina consideración de la sexualidad en el siglo XVIII, tampoco es una cifra demasiado elevada. No obstante, fue un gran pícaro y seductor, pero es curioso que se preocupaba por el bienestar de cada una de sus amantes, jamás forzó a ninguna. Y, por supuesto, como cualquier otro hombre estuvo enamorado y a punto de casarse en varias ocasiones. Como con Henriette, con la que estuvo nueve meses relacionado, o con Manon Balleti, hija de una actriz de comedia italiana, que llegó a estar comprometida con Casanova. Gran parte de su vida la conocemos gracias a sus memorias o Historia de mi vida, y hay que decir que los pasajes más perversos y obscenos se deben a la pluma de Jean Laforque, traductor de la primera edición alemana de 1821. De manera que, mucha de su fama de libertino no es del todo merecida.

Retrato de Manon Balleti, una de sus amantes.

En los últimos años de su vida, hacia 1785, Casanova estaba ya cansado de su azarosa vida y en la miseria, por lo que buscó un lugar tranquilo para centrarse en la literatura. De forma oportuna el conde de Waldstein le ofrece ser el responsable de su biblioteca en el castillo de Dux (Bohemia), para ordenar sus cerca de 40.000 volúmenes. Donde además va a terminar sus memorias en 1792, e incluso va a criticar su vida aventurera y a sus amigos de conquistas, como el conde de Saint-Germain, en su Soliloquio de un pensador. Y es en Dux donde nuestro personaje Casanova muere en junio de 1798, él mismo se despidió a su manera en su autobiografía: “comienzo declarando al lector que, en todo cuanto he hecho en el curso de mi vida, bueno o malo, estoy seguro de haber merecido elogios y censuras, y que, por tanto, debo creerme libre...”. De esta manera, se marchaba el aventurero, escritor y filósofo veneciano, gran amante de princesas y meretrices, gran espadachín y duelista, que se ganó con su intelecto a las grandes cortes de Europa y en su círculo de amistades estaban los grandes intelectuales de su época. Sus últimas palabras fueron “he vivido como un filósofo, y muero como un cristiano”. Casanova no fue sólo un gran conquistador y amante, sino también uno de los más notables intelectos del siglo XVIII, y sobre todo un hombre libre.

Bibliografía:
Giacomo Casanova. Historia de mi vida. Atalanta, 2009.

jueves, 5 de abril de 2012

Novedades musicales destacadas, marzo 2012. 2ª parte.


Howlin Rain - The Russian Wilds. Absoluta sorpresa la propuesta de este ecléctico grupo de San Francisco, marcado por una base de retro hard rock sureño y una magistral instrumentación. Además de mucha psicodelia, una pizca de sonido latino, todo con un sonido muy añejo, con muchas reminiscencias de los setenta y de los viejos vinilos de Santana o Grand Funk Railroad, con un toque muy progresivo y folk. Los grandes desarrollos instrumentales se combinan con muchos bongos, flautas y unas guitarras sensacionales, muy en el rollo del Santana de los 70, como podemos apreciar en la canción de abre el disco, Self Me Man. La producción corre a cargo del gran gurú de la música contemporánea americana, Rick Rubin, que logra dar al grupo un sonido muy anejo y analógico, es como desempolvar un antiguo vinilo. Destacar la voz de su guitarrista y cantante Ethan Miller, llena de profundidad y blues. La mezcla es brillante como en la maravillosa Phantoms in the Valley, la base de rock duro sureña se combina con elementos psicodélicos, el sonido del hammond, unas trompetas de impresión y unos sonidos españoles de una originalidad extraordinaria. Can´t Satisfy Me Now es menos progresiva, muy cercana a The Black Crowes, calidez, soul y mucho feeling. En Cherokee Werewolf encontramos misterio y melancolía, y todo se torna en acústica belleza con Strange Thunder, nueve minutos de rock, de soul, de blues, de psicodelia prog, un espectáculo de canción reservada para paladares rockeros exquisitos. La soberana demostración de rock heterogéneo y ecléctico continúa con: Dark Side, Beneath Wild Wings, Walking Through Stone o Still Walking, Still Stone. Sobresaliente.


Jeff Scott Soto - Damage Control. Jeff ha trabajado con grandes músicos como Yngwie Malmsteen o Axel Rudi Pell, y alcanzó la notoriedad con los magníficos Talisman y los actuales y geniales W.E.T. Ahora nos presenta su nuevo disco con un sonido de hard rock melódico más cercano a lo que hizo con bandas como Eyes, Takara, o los propios W.E.T. Composiciones muy pegadizas, llenas de grandes ritmos, coros y estribillos todo aunado gracias a sus clásicas y sensacionales armonías vocales, de una de las grandes voces del hard rock. Junto a grandes colaboraciones de musicos de la talla del célebre Dave Meniketti (Y&T), Casey Grillo (batería de Kamelot), Jamie Borger (Treat, Talisman) o el sobresaliente guitarrista español Jorge Salan. La clase y calidad de su voz y de esos músicos la podemos apreciar desde la inicial desde Give A Litlle More, marcada por un ritmo muy rockero, grandes guitarras y un estribillo efectivo para no cesar de corear. Mucho dinamismo y ritmos algo más modernos encontramos en Damage Control y en Look Inside Your Heart, una de las mejores del disco muy pegadiza y melódica. Todas las composiciones son muy efectivas, sencillas y radiables como Die A Little o el medio tiempo If I Never Let Her Go. Más duras y rockeras son Tears That I Cry y Krazy World. Y para terminar una gran balada como Never Ending War, llena de sentimiento. Notable.


Michael Thompson Band - Future Past. El gran guitarrista y compositor americano regresa a la actualidad tras quince años dede su anterior y sensacional How Long, uno de los mejores discos del AOR. Su actual Future Past mantiene el nivel al ofrecernos otra verdadera joya del AOR que degustaran con avidez los amantes del género. Michael Thompson ha trabajado como compositor para infinidad de músicos tan variados como: Vince Neil, Celine Dion o Rod Stewart, por decir algunos. Ahora con la voz de un, para mi desconocido y talentoso, Larry King (del grupo Soleil Moon) nos vuelve a deleitar con un gran disco. Lleno extraordinarias composiciones marcadas por unas descomunales melodías y armonías, como podemos apreciar en la inicial High Times, muy movida e intensa, y un tema sensacional como Cant Be Right, otro de los temas AOR del año, con un ritmo de guitarra increíble y la voz de Larry que se nos muestra intensa y con mucha personalidad. Desde ahí todo esta lleno de medios tiempos con grandes arreglos y teclados como en Future Past, grandes guitarras que se unen a canciones muy pegadizas llenas de sensibilidad, calidez y grandes coros como When You Love Someone, Here I Am, o Beautiful Mystery. El disco no baja de nivel en ningún momento gracias a las destacables End Game y Gipsy Road, más rockeras con grandes solos de guitarra. Y para terminar la nueva y actualizada versión de Can’t Miss, de su estelar primer disco, y la final Fight For Your Life, donde los grandes teclados y coros lo inundan todo. Notable.


Primal Rock Rebellion - Awoken Broken. Interesante y sorprendente nuevo proyecto de Adrian Smith, guitarrista de Iron Maiden, junto con el vocalista inglés Mike Goodman, que tiene una banda de metal/hardcore oscuro y progresivo llamada Sikth. Y digo sorprendente, ya que Primal Rock Rebellion nada tiene que ver con los Maiden. La combinación de potentes y clásicas guitarras con el sonido agresivo y oscuro de la voz de Mike, da como resultado un disco muy original, potente, oscuro y, sobre todo, moderno. Como podemos apreciar en la inicial No Friendly Neighbour, con un rollo muy new metal, un corte muy poderoso, con mucha agresividad en la voz, y grandes melodías de guitarra. El single No Place Like Home también es muy moderno y directo, un trallazo de metal alocado. La contundencia y oscuridad continúa con I See Lights, un corte progresivo cadencioso y muy oscuro. Bright as a Fire, tiene un inicio más clásico en un medio tiempo con un gran cambio de ritmo. Savage World, es un corte muy alocado y lleno de agresividad. La mezcla de melodías y potencia moderna no cesa en cortes destacables como la extraña y melódica Tortured Tone, la contundencia de White Sheet Robes, la velocidad metálica de Awoken Broken o la curiosidad acústica final de Mirror and the Moon. En definitiva, un disco algo lineal y que se hace algo largo, ya que los temas tienen una estructura muy parecida, pero igualmente curioso e Interesante.


Rage - 21. Uno de los grandes del metal europeo regresa a la actualidad con su vigésimo primer disco, contando recopilatorios y directos, y vuelve a entregar una gran obra de metal contundente y técnico. Rage ha pasado por muchas etapas desde la inicial más power metal clásico, pasando por su etapa orquestal con su estelar XIII, o su fase más técnica y moderna representada por su descomunal Unity. A partir de ahí quedaran, desde mi punto de vista, marcados por ese grandioso e insuperable Unity, intentando repetir formula con el destacable Soundchaser, mezclando la caña y la orquesta en Speak of the Dead, regresando a sus orígenes con Carved in Stone, disco no me gustó demasiado. Pero han regresado con fuerza con su sobresaliente String in a Web, donde el trío formado por Peavy Wagner, Victor Smolski y André Hilgers se asienta definitivamente, y ahora con 21, demuestran que son uno de los grupos con mejor sonido de metal actual. Siempre ayudados por la labor de su productor habitual Charlie Bauerfiend, que una vez más hace un gran trabajo, dando una vuelta de tuerca más a la crudeza. Ese sonido más poderoso lo podemos comprobar desde el inicio del disco con la homónima Twenty One, gran tema lleno de cambios y variedad, unido a la endiablada técnica de señor Smolski, es el Van Halen de metal europeo. Le sigue Forever Dead, otro verdadero trallazo de metal potente. La intensidad no decae con la rápida y melódica Feel My Pain, la brutal Serial Killer, con partes de auténtico metal oscuro y gutural, o la intensa Psycho Terror. Además las potentes y clásicas, Destiny, Concrete Wall y Black and White mantienen el nivel de crudeza e intensidad. Y destacar Death Romantic, una de mis favoritas, más técnica y moderna. Y cierran el disco, para mi de forma acertada, con Eternally, una balada/medio tiempo muy evocador y ambiental, que hace de contrapunto en un disco tan intenso. Notable.


Sonic Station - Sonic Station. Nuevo proyecto de Westcoast AOR formado por el joven guitarrista sueco Alexander Kronbrink, junto con a la sublime cantante y pianista Marika Willstedt. Y se han sacado un proyecto que hará las delicias de los verdaderos amantes de un estilo tan personal e intimista. Sonic Station recoge el sonido y la mejor esencia del AOR de los 80 de grupos como Toto o Journey, y el regusto costa oeste americana de Mr Mister o Chicago. Y Alexander se nos revela como un gran guitarrista elaborando grandes composiciones, eso si ayudado por reputados músicos de sesión y grandes cantantes de estudio suecos. Todo es muy meloso, suave y armónico, si cierras los ojos puedes imaginarte junto a las playas de California escuchando composiciones como Love's Gonna Show The Way o I Wish I Could Lie, donde Marika nos demuestra su aterciopelada y excelsa voz. Hold On To Me, es otra de mis favoritas, es como regresar a la música de los mejores Toto, saxo, voz y teclados en armonía perfecta. Ritmos algo más hard rockeros encontramos en You Have To Let Me Go o Running Through The Night. Y del final destacar la larga y emotiva Never Let The Sunshine Die, con mucha profundidad en la voz y sensacionales guitarras. Para fans del Westcoast AOR, pero igualmente Notable.

martes, 3 de abril de 2012

Novedades musicales destacadas, marzo 2012. 1ª parte.


Adrenaline Mob - Omerta. Adrenaline Mob es el nuevo supergrupo formado por el portento vocal del cantante Russell Allen (Symphony X, Allen/Lande), el talento del omnipresente baterista Mike Portnoy (Flying colours, ex-Dream Theater, ex-Avenged Sevenfold), que han unido sus fuerzas a joven y virtuoso guitarrista americano, Mike Orlando (Sonic Stomp), la formación se ha completado con la reciente incorporación del bajista John Moyer (Disturbed). La mezcla de talento no puede ser más oportuna y notable. Estamos ante un disco muy directo, contundente y variado con una base de metal moderno melódico a la que añaden una pizca de virtuosismo progresivo, mucho groove pesado en los riffs de guitarra, otra pizca de aire sureño, junto con grandes y reconocibles estribillos. El disco se abre con la contundencia de Undaunted, con un riff matador y un despliegue vocal tremendo y agresivo, es un verdadero puñetazo de metal desgarrador y técnico. Psychosane mantiene esa agresividad y groove del mejor metal/hard rock, con un riff impresionante lleno de distorsión, que recuerda al gran Dimebag Darrel. Indifferent supone un cambio, de la contundencia a una melodía sensacional, con un estribillo para enmarcar, un gran medio tiempo lleno de intensidad y armonía, uno de los temas metal del año. La variedad es pasmosa, pasamos de una preciosa e impresionante balada como All On The Line a la caña y crudeza de Hit The Wall, o a la frescura hard rockera y vacilona de Fellin’ Me. Y para sorprendernos incluyen una alucinante versión del clásico de Duran Duran, Come Undone, un tema que llevan a su estilo de forma sensacional, una de las versiones del año. Hacia el final la calidad y variedad no decae con la crudeza de Believe Me, la divertida Down To The Floor, la belleza de otra gran balada como Angel Sky, y la energía metalera sureña de Freight Train, que cierra un disco de notable alto, el sobresaliente lo dejo para su siguiente disco, ya que espero y deseo que este talentoso proyecto tenga continuidad. Notable. 


Bruce Springsteen - Wrecking Ball. El rockero americano por excelencia regresa a la actualidad con su nueva “bola de demolición”, en la que ha querido ser muy crítico y comprometido con la situación actual del mundo, de la sociedad y la economía. “El Jefe” muestra su absoluta decepción con políticos y banqueros, responsables de la deplorable situación de Occidente, acabando con el optimismo que mostraba en su anterior Working On A Dream. Una situación que denuncia a través de sus letras y canciones, con un aire muy americano y patriótico, Bruce es un maestro a la hora de conectar con el pueblo americano. A nivel musical, desde mi punto de vista, tras la belleza acústica de Devil And Dust, o trabajos que contenían grandes singles pero no eran completos como Magic o Working On A Dream, ahora nos nuestra un trabajo más completo, rockero y trabajado. Hay que destacar la inclusión en el E Street Band de Tom Morello (Rage Against the Machine y Audioslave) y Matthew Chamberlain (ex-Pear Jam). Y con ellos Bruce recupera su sonido más rock and roll americano, muy sureño y country, aderezado con muchos elementos de folk americano e irlandés. Todo tiene un aire muy folk recogiendo la mejor tradición del rock americano unido al folklore tradicional de su querida USA. Las canciones son himnos para enlazar con las mentes del pueblo americano, como el single We Take Care Of Our Own, que desprende mucho dinamismo. Esa raíz country o rockera americana la podemos apreciar en Easy Money o Shackled And Drawn, con grandes estribillos y armonías, dos grandes temas 100% Bruce. Todo con muchos arreglos, diferentes y potentes percusiones, grandes coros gospel, inclusión del saxo, muchas palmas e instrumentos de viento y cuerda. Destacar Death To My Hometown, puro folk de raigambre irlandesa, las épicas Wrecking Ball y Land Of Hope And Dreams, mis favoritas del disco, o el rockabilly más americano a lo Johnny Cash en We Are Alive. Estamos ante un gran disco dentro de la dilatada carrera de Bruce Springsteen, un trabajo que deja muy buen sabor de boca, sus fans deben estar de enhorabuena. Notable.


Devil's Train - Devil's Train. Una grata sorpresa de este nuevo grupo finlandés formado por grandes músicos de la escena del power metal: el cantante R.D. Liapakis (Mystic Prophecy), junto con el guitarra Lakis Ragazas, y el batería Jörg Michael y el bajista Jari Kainulainen (Stratovarius). Y digo sorpresa agradable, ya que Devil's Train suena totalmente diferente a lo que yo me esperaba, nada de power metal melódico escandinavo, esto es hard rock americano de la mejor escuela de los 80, con la contundencia y la crudeza de la actualidad. Nos encontramos con temas de puro hard rock lleno de garra, gancho, energía y buen hacer, todo con un sonido espectacular lleno de clasicismo combinado con la modernidad. Ese rollo añejo y poderoso inunda grandes composiciones de hard rock como la inicial Fire And Water o Devil’s Train. Todo aderezado con unos guitarras sensacionales y la gran voz de Liapakis, con un tono y poso rockero americano que sorprende sobremanera. Los grandes temas de rock americano se suceden como Roll The Dice, o el sensacional y melódico Forever, que a mi me recordado a los magníficos Tesla. O canciones como Sweet Devil’s Kiss, Room 64/66 y Find New Love marcadas por estribillos muy pegadizos, en los que combinan el rollo americano sureño en la voz con el sonido europeo similar al de grupos como Pretty Maids o Gotthard. Un sensacional y sorprendente disco que rematan con una lograda y contundente versión del American Woman del grupo canadiense The Guess Who, que popularizó Lenny Kravitz, demostrando cuales son las influencias que han tomado para este disco. Un disco 100% recomendable e Interesante.


Epica - Requiem For The Indifferent. Epica es uno de los grupos más originales y con un sonido más personal que han salido en el escena metal en los últimos años. Su combinación de una voz mezzo-soprano con voces guturales y grandes coros, muchos y cuidados arreglos orquestales, guitarras contundentes, mucha melodía barroca y árabe, una gran amalgama de estilos metálicos con un toque bastante progresivo, además de unas letras muy cuidadas. Unos elementos que ya se apreciaron en su disco de debut, el destacado The Phantom Agony, o en su sensacional Consign To Oblivión. Disco a disco han ido asentando su estilo, y en este Requiem For The Indifferent, su quinto álbum de estudio inciden en su particular forma de entender en metal. La producción una vez más a cargo del Sascha Paeth ha conseguido que las guitarras metal queden un escalón por encima de los arreglos orquestales, y como siempre logrando destacar unas voces y unos teclados magníficos. El trabajo de Mark Jansen a las guitarras es digno de destacar con grandes riffs y solos, ya que estamos ante un disco más directo, pegadizo y variado. La voz de Simone Simons, una de las bellas del panorama musical actual, se muestra cada vez más versátil con una pasmosa variedad de registros, no sólo operísticos, dando una riqueza de matices a las composiciones sin parangón, además se añade la ayuda de la gran vocalista Amanda Sommerville y las voces guturales de Mark, por lo que la riqueza vocal es inigualable. Todo es muy épico y teatral, desde la obligada introducción inicial, que da paso a un genial Monopoly of Truth. Un gran tema lleno de contundencia y dinamismo, ejemplo perfecto del ese sonido tan original de Epica con voces combinadas, y una impresionante Simone. De la velocidad pasamos a la melodía de Storm the Sorrow, single de adelanto, marcada por un teatralidad que emociona y engancha. La melodía continúa con Delirium, preciosa y grandilocuente balada operística. Para pasar a la oscuridad de Internal Warfare con grandes coros y teclados, intensidad y voz tenebrosa. Todos los temas están marcados por estribillos magníficos como Requiem for the Indifferent, uno de los grandes temas del disco, muy progresiva y marcada por grandes arreglos, matices y guitarras, al igual que Deep Water Horizon o Stay the Course, donde la combinación de voces limpias y guturales es sublime. Hacia el final el disco no decae, más bien lo contrario, con tres temas largos y progresivos con muchos elementos orquestales y de la música clásica, tanto Deter the Tyrant como Avalanche son sensacionales, y al final la grandilocuente Serenade Of Self-Destruction, donde la la guitarras y la orquesta se unen en pasajes instrumentales llenos de virtuosismo, una pasada. En definitiva, Epica con este Requiem For The Indifferent sacan su mejor disco desde sus dos obras iniciales, evolucionan y progresan adecuadamente, más bien de forma Notable.



Flying Colors - Flying Colors. Segundo proyecto del mes en el que está involucrado el polifacético baterista Mike Portnoy (ex-Dream Theater, actualmente en Adrenaline Mob), junto con un elenco de músicos impresionante: el gran teclista Neal Morse (Spock’s Beard, Transatlantic), el guitarrista Steve Morse (Dixie Dregs, Deep Purple), como cantante un, para mi desconocido e increíble, Casey McPherson (Alpha Rev), y el bajista Dave LaRue (Dixie Dregs). Todos grandes músicos con un bagaje musical impresionante, que parece que han intentando aunar modernidad y clasicismo musical, con una voz muy accesible y melódica. No estamos ante un proyecto de puro rock progresivo, como yo esperaba, al estilo Spock’s Beard o Transatlantic, es un disco tremendamente variado y accesible. La amalgama de estilos es brutal: el rock progresivo, el hard rock, el pop, el metal y el jazz, el blues rock, todos en su dosis correcta, sonando todo con una coherencia y naturalidad extraordinarias. El disco se abre con Blue Ocean, toda una declaración de intenciones, todo es muy funky y rock progresivo, un tema melódico y armónico sensacional, con un estribillo para enmarcar. Shoulda Coulda Woulda mezcla el metal moderno con el blues rock clásico, una combinación sublime, junto con la gran y colorista voz de Casey, un tema alucinante. Kayla es otro ejemplo más de versatilidad y heterogeneidad musical, se pasa de la balada rock acústica, al jazz y al funky con una facilidad pasmosa. The Storm es un sensacional corte de hard rock melódico que aúna tradición modernidad. El rock progresivo lleno de pinceladas pop rock con unas guitarras y teclados impresionantes lo encontramos en temas como Forever in a Daze, o las sublimes baladas que suponen Everything Changes y Love Is What I'm Waiting For. Better Than Walking Away continúa con la exhibición de virtuosismo y melodía. Después de tanto preciosismo melódico pasamos a la intensidad power y épica de All Falls Down, marcada por guitarras veloces y frenéticas, puro metal con una batería acelerada y poderosa, un verdadero y genial contrapunto del disco. En el final encontramos Fool In My Heart, un gran medio tiempo, e Infinite Fire, el único ejercicio de puro progresivo e improvisación del disco. En definitiva, uno de los disco del año, sorprendente y accesible que hará las delicias de cualquier fan del rock duro, no sólo es apto para oídos progresivos, y ese hecho es lo que convierte a Flying Colors en algo Sobresaliente.