jueves, 24 de septiembre de 2009

MR. BIG. Reunion Tour, 18 de septiembre de 2009. Sala La Riviera de Madrid.


1996 fue el año en que yo empezaba a tener uso de razón musical, y también el año en que se rompió la formación original de Mr. Big, con la salida de Paul Gilbert. Mr. Big es una especie de super banda, formada en 1989 por verdaderos virtuosos musicales. Una gran banda que nos regalo tres verdaderos discazos, desde el disco homónimo de 1989, pasando por Learn Into It de 1991, hasta el Bump Ahead de 1993. Que nos muestran a un grupo realmente original, que suena absolutamente inédito, al mezclar lo mejor del rock y el hard rock, con unas sublimes melodías y armonías accesibles al 100%. Sorprendían por mostrarnos un rock muy comercial, y no obstante lleno de virtuosismo y belleza instrumental. Por eso, desde ese mismo 1996, Mr. Big es mi grupo ideal de Hard Rock, y siempre conserve la esperanza de poder ver a la formación original en directo. Y ha tenido que ser este 2009, año en que se cumple 20 años de su formación, en el que Mr. Big deciden hacer una gira de reunión, para compensar tantos años de espera. De esta forma no me podía perder la oportunidad única que me ofrecían, y me desplace a la capital, con unos colegas, para ver esta sublime descarga musical.


Eran las cinco de la tarde cuando llegamos a las inmediaciones de la La Riviera, una de las mejores salas de Madrid para ver conciertos, que sin embrago está ubicada en una situación poco placentera visualmente, a lo que ayudaba las obras y el mal día que nos encontramos. Estuvimos tomando unas birras y cerca de las ocho, a las siete y media abrían las puertas, decidimos entrar en la sala. A pesar de que el concierto no empezaba hasta las nueve, no obstante la presencia en la sala de la bellísima Pilar Rubio, hizo que la espera se hiciera mucho más amena. Está claro que esta chica tiene buen gusto musical, ya que también estaba presente en el concierto que Queensrÿche ofreció, también en La Riviera, hace un par de años. Y mientras nos bebíamos unos litros, una vez más, a un abusivo precio, la descarga de Mr. Big, que llevaba trece años esperando, se disponía a empezar…

Y no me defraudaron en absoluto, de delicia musical se puede calificar lo que pudimos ver y escuchar. El inicio no pudo ser más apropiado con Daddy, Bother, Lover, Little Boy. Tanto tiempo esperando para ver el solo de esta canción, interpretado por Paul Gilbert y Billy Sheehan, con sus taladradoras de púas, ha merecido la pena. Vaya cañón de canción, es puro rock y virtuosismo a partes iguales, no tengo palabras. La siguiente fue la hipnótica y pegadiza Take Cover, un magnífico medio tiempo que coreé hasta la extenuación. Tenía mucha curiosidad, por comprobar si los magníficos coros de los discos iban a ser fielmente reproducidos en directo. Y así fue, vaya coros que hacen los señores Paul y Billy, logrando que las canciones tengan una fidelidad y emoción desbordante.



Ahora, el turno era para uno de mis favoritos, Green-Tinted Sixties Mind, un tema de una melodía desbordante del genial Gilbert. Y presencie una genial interpretación, una verdadera delicia sonora ejecutada por cuatro grandes del rock. Alive And Kickin' fue la siguiente, otro temazo de su indescriptible Learn Into It, genialmente introducido por la guitarra de Paul. Un tema mucho más crudo, en el que pudimos comprobar que la voz de Eric Martin se conserva a la perfección, los años no pesan sobre estos monstruos.



Continuaron con Next Time Around, en la que Billy Sheehan se salió, si el sonido de la guitarra era bueno, el del bajo era sublime, que manera de tocar este magnífico y pegadizo tema. Para proseguir con otra delicia musical, Hold Your Head Up, en la que de nuevo me sorprendieron los grandes coros, dándole al tema mucha fidelidad, a pesar de su complejidad vocal. Y llegó la hora de la primera balada, de un grupo, que en mi opinión, cuenta con algunas de las mejores baladas del rock. Era Just Take My Heart, en la que comprobamos que las baladas las iban a hacer menos acústicas y más eléctricas, con lo que ganan mucho en directo. Bueno, el público no la paró de corear, fue una apoteosis total. Y Llegamos al momento Bump Ahead, con la rockera, Temperamental, que pasada de estribillo, la gente estaba totalmente entregada…



El espectáculo continuó con It's for You / The Planets Op.32: Mars, con las voces de la pareja de maestros Sheehan-Gilbert. A la que siguió un solo de Batería de Pat Torpey, otro maestro de su instrumento, que logró ganarse a la gente al hacerles participar. Seguimos con Bump Ahead, y la gloriosa Price You Gotta Pay, que disfrute especialmente, por ser una de mis favoritas, por el gran trabajo vocal de Eric. Y por las diabluras de bajista y guitarrista, que se enzarzaron en un duelo instrumental brutal, finiquitado por Paul al tocar la guitarra con la boca. De la intensidad instrumental a la belleza acústica de Wild World, su famosa versión de Cat Stevens, una verdadera preciosidad de canción, que hizo las delicias del público. Seguida de la intensidad rockera de Take A Walk, de su primer disco, otro verdadero temazo.



Momento en el que recordé que Mr. Big eran uno de los grupos más brillantes y originales de la historia. Algo corroborado con los consiguientes momentos de lucimiento instrumental de Gilbert, que dejó al público boquiabierto. La sorpresa aumentó con el dueto instrumental de doble bajo y doble guitarra, que se enlazó con la alucinante y armónica The Whole World's Gonna Know. Otro tema glorioso, lleno de intensidad, en el que disfrutamos de nuevo de los sublimes coros.


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Esa intensidad aumentó con la gran Rock & Roll Over, en la que Eric no paró de interactuar y animar al respetable. Y llegó el momento del solo de Sheehan, demostrando que es uno de los mejores bajistas del mundo, pleno de técnica y habilidad. El delirio final fue Addicted To That Rush, una locura de tema, y el mejor ejemplo de esa accesibilidad combinada con lucimiento instrumental. Que esta vez alargaron introduciendo, en la mitad del tema, el Highway To Hell de AC/DC. Para regresar al tema con el duelo de solos guitarra, voz y batería que lleva al tema hasta el final, con un Eric totalmente entregado.


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Y de esta manera se despidieron, regresando con otro de sus baladones, To Be Whit You, hipnótica y llena de emoción. Y la cañera y virtuosa Colorado Bulldog, con la enloquecimos definitivamente y demostraron que era su noche. Tras una segunda despedida regresaron con el habitual segundo bis, que en este caso no fue tan habitual. Ya que no tocaron una canción de Mr. Big, y ejecutaron un tema de Sheehan de su época con David Lee Roth, el frenético y cañero Shyboy. Insisto, una verdadera delicia sonora, que no todos los días se puede presenciar.


Mr. Big dejaron un sabor de boca inmejorable, yo estaba muy satisfecho y emocionado, ya que había visto, por fin, a uno de los grupos más originales y accesibles que he escuchado nunca. Desde mi punto de vista, el sonido fue perfecto, de un grupo que podría tener mucho que decir, siempre que la reunión tenga continuidad. Una única e importante pega, la escasa parafernalia y decoración que el grupo llevaba, ni siquiera el típico telón de fondo, algo poco apropiado para un grupo de su categoría. No obstante, la sublime demostración instrumental y sonora compensa la escasa atracción visual.


Setlist:

1. Daddy, Brother, Lover, Little Boy

2. Take Cover

3. Green-Tinted Sixties Mind

4. Alive And Kickin'

5. Next Time Around

6. Hold Your Head Up

7. Just Take My Heart

8. Temperamental

9. It's For You / The Planets Op.32: Mars

10. Pat Torpey Solo

11. Price You Gotta Pay

12. Wild World

13. Take A Walk

14. Solo Gilbert

15. Solo Gilbert & Sheehan

16. The Whole World's Gonna Know

17. Rock & Roll Over

18. Solo Sheehan

19. Addicted To That Rush

Bis 1:

20. To Be With You

21. Colorado Bulldog

Bis 2:

22. Shy Boy

miércoles, 23 de septiembre de 2009

MEGADETH – Endgame (2009)


Septiembre se está convirtiendo en el mes musical del año, con el lanzamiento de los nuevos discos de Gotthard, Megadeth, Europe, o Muse, que son algunas de mis bandas favoritas. Ahora toca analizar el nuevo disco de Megadeth, la banda que formó el gran Dave Mustaine tras ser expulsado de Metallica, y que lleva desde mediados de los 80 sacando magníficos discos. Que le han llevado a ser considerado uno de los cuatro grandes del thrash metal, junto a Metallica, Slayer y Anthrax. Desde su irregular y experimental Risk de 1999, que supuso la salida definitiva del grupo del virtuoso de la guitarra Marty Friedman, el grupo no ha hecho más que crecer y evolucionar positivamente en el siglo XXI. Con discos como el interesante y poco valorado The World Needs A Hero de 2001, que no gusto y provoco la salida de los míticos Dave Ellefson y Jimmy DeGrasso, y el pobre de Al Pitrelli. Y sobre todo el The System Has Failed!, en el que Mustaine encuentra el sonido de los Megadeth del siglo XXI, y lo hace, contradictoriamente, recuperando, en parte, el sonido de thrash añejo ochentero, y con un cambio total en la formación, para la que recupera al olvidado Chris Poland. Ese sonido Megadeth del nuevo milenio, desde mi punto de vista, se asienta con United Abominations de 2007. Un álbum que nos presenta a los mejores Megadeth en años, y que confirma la recuperación del grupo. De nuevo un cambio total en la formación, pero con un nivel compositivo y de producción mucho mejor que sus predecesores.

Y ahora en 2009 nos regalan este Endgame, que no hace más que confirmar el buen momento de forma de Mustaine y los suyos. Y que parece asentar una formación de garantías, con la entrada Chris Broderick sustituyendo a Glen Drover, y manteniendo a James Lomenzo al bajo y en la batería al genial Shawn Drover. Endgame conserva la línea sonora del United Abominations, no en vano han contado con el mismo productor Andy Sneap, que está perfeccionado el sonido Megadeth del nuevo milenio. Con mucha distorsión en las guitarras, y recuperando el sonio del So Far, So Good, So What... o el Rust In Peace, y actualizándolo con un notable éxito. Quizás logran su mejor sonido en años, recuperando toda su crudeza. No obstante, en cuanto a composición me quedo, en principio, con su anterior obra. Me explico, Endgame, es un discazo, uno de los mejores de Mustaine en años, en el sonido se nota la aportación de Chris, pero los temas suenan muy en la línea de sus dos anteriores discos. Hay que decir que Endgame es aún más crudo y trash que sus antecesores, con mayor virtuosismo en las guitarras, sin embargo suena 100% a los Megadeth del siglo XXI, algo que no es malo, simplemente han encontrado su sonido, y le están dando continuidad. Quizás si se asienta definitivamente esta formación, y es posible por lo que apreciamos en su gira con Judas, el siguiente disco puede ser el definitivo.

De manera que paso a analizar el contenido de este Endgame:

- Dialectic Chaos, es la apertura instrumental del disco. Desde tiempos del So Far… no abrían un disco con una instrumental tan cañera. Es una genuina exhibición de caña instrumental propia del mejor Thrash, en un magnífico duelo entre guitarristas. Que enlaza a la perfección con el siguiente tema.

- This Day We Fight!, que nos muestra a unos Megadeth más crudos que nunca. Se trata de un tema muy directo, en la línea de distorsión y caña del nuevo sonido Mustaine. Lo más destacable es la sublime sucesión de solos, que demuestran que con Chris tienen un magnífico guitarrista para el futuro.

- 44 Minutes, es de lo mejor, en mi opinión, del disco. Nos ofrece unos Megadeth más armónicos y accesibles, su excepcional estribillo me recuerda a la época del genial Youthanasia. Con un sonido pegadizo, aderezado con las mejores guitarras del thrash, que espero que Megadeth recuperen más asiduamente en el futuro.

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- 1320, es de nuevo crudeza y velocidad. Con un riff marca de la casa sobre el que se estructura todo el tema, que está marcado por los magníficos solos entrelazados, norma habitual en los Megadeth del siglo XXI. Hacia la mitad se acelera aún más, demostrando el virtuosismo instrumental de Mustaine y Chris.

- Bite The Hand, suena mucho al United Abominations. Con esa distorsión de guitarra enraizada en el sonido Megadeth de los 80, puro Heavy/Thrash clásico adaptado por Mustaine al nuevo milenio.

- Bodies, es otro de los que más me han gustado. Con reminiscencias al Countdown To Extinction, tanto en el estribillo, como en la melodía, con un genial sólo lleno de sentimiento y fuerza. A destacar el trabajo de James al bajo.

- Endgame, es puro Megadeth de la actualidad. Destacan sus melodías, y la genial base rítmica comandada por Shawn. No obstante recuerda mucho a su anterior disco, lo que hace que este gran tema pierda algo de sorpresa, tras la buena impresión inicial.

- The Hardest Part Of Letting Go (Sealed With A Kiss), desde mi punto de vista, es otro de los destacados del disco. Estamos ante un, poco habitual en Mustaine, medio tiempo de una calidad excepcional. Que nos hace atisbar las infinitas posibilidades del grupo en el futuro. El comienzo es muy sosegado y conmovedor, con guitarras acústicas, hasta que llegamos a un genial cambio de ritmo con una sublime batería, y unos arreglos inusuales en Megadeth, que dan al tema un plus de calidad y emoción.

- Head Crusher, es el single del disco. Una coherente elección, ya que suena 100% a los Megadeth actuales, con las guitarras distorsionadas, mucha crudeza y energía. Combinados con un reconocible estribillo.

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- How The Story Ends, continúa la pauta del sonido Mustaine actualizado de sus anteriores discos. Con la novedad de mezclar guitarras acústicas con eléctricas al inicio del solo central. Muchos cambios de ritmo y crudeza.

- The Right To Go Insane, destaca por su inicio basado en un aplastante bajo continuado por un gran riff de guitarra muy Mustaine. Es otro gran tema, con un sonido crudo pero accesible, una vez más, un gran trabajo instrumental.


En definitiva, Megadeth han facturado un gran disco, con uno de sus mejores sonidos en cuanto a producción. Sin embargo adolece de cierta semejanza con sus discos anteriores, muy apreciable en esos temas crudos, con un sonido y una distorsión de guitarra, ya clásica en los Megadeth actuales. Por lo que, en el futuro, sería interesante que Mustaine incidiera en un sonido más accesible, aunque manteniendo su crudeza, cercano a los acertados Youthanasia o Countdown To Extinction, o al menos eso creo yo… 8/10

martes, 15 de septiembre de 2009

Aclarando el concepto de Fascismo.

El Fascismo es un término que deriva de fascio, haz, que a su vez procede del latín fasces, o haces de varas llevados por los lictores de la antigua Roma, como símbolo de poder del Estado. Un símbolo que va a ser tomado por Benito Mussolini a la hora de inventarse el Fascismo. Con esto Mussolini rinde culto a Roma, a la Roma eterna, de la que es heredera el fascismo, esto es, el Fascismo como continuación de la civilización romana. Esa era su intención, y sin embargo creo una de las ideológicas más perniciosas del siglo XX.

Un fascismo italiano que cuenta con unos caracteres fundamentales:


- La omnipotencia del Estado. Los individuos totalmente subordinados al Estado, conllevando la eliminación de la oposición política al considerarla un obstáculo para el buen gobierno. Para Mussolini “el fascismo reafirma al Estado como la verdadera realidad del individuo (...) la única verdadera libertad, la libertad del Estado y la libertad del individuo dentro del Estado (...) El fascismo es totalitario, y el estado fascista interpreta desarrolla y domina toda la vida del pueblo”. Un modelo social con el pueblo como base, en el centro el partido único y en la cúspide el jefe carismático, el superhombre al que sigue ciegamente, líder que encarna el Estado.

- El protagonismo de las élites. Ya que se parte de la desigualdad de los hombres, por lo que hay una minoría debe gobernar en contraposición al liberalismo decimonónico basado en la igualdad. Mussolini desprecia la democracia, y señala “el liberalismo clásico surgió de la necesidad de reaccionar contra el absolutismo y que ha perdido su función histórica desde que el Estado se ha convertido en la misma conciencia y voluntad del pueblo...

- La exaltación de un líder carismático. Al partir del postulado de la desigualdad humana, la nación necesita encontrar un superhombre que la lideré, Benito Mussolini, el Duce (del latín Dux), título otorgado así mismo, que significa caudillo o guía. Desarrollandose todo un culto a su persona, de manera que se decía “el Duce siempre tiene la razón”.

- El imperialismo. Para el fascismo una gran nación encuentra su horizonte en la formación de un gran imperio (espacio vital). Según Mussolini “El estado fascista es una voluntad de potencia e imperio (...) el imperio no es solamente una expresión territorial o mercantil, sino espiritual o moral (...) que guíe a otras naciones sin que sea necesaria la conquista “. El imperio es una manifestación de la vitalidad de las naciones, Benito decía “los pueblos que nacen o resucitan son imperialistas”, pero “el imperio exige disciplina, coordinación de esfuerzos, deber y sacrificio (...). En este momento, mas que nunca los pueblos tiene sed de autoridad, de dirección y de orden”.

- La desconfianza de la razón. El fascismo desafía y exalta la irracionalidad de la conducta, los sentimientos, esto es, fanatismo. Un fanatismo donde adquieren sentido sus irracionales dogmas de superioridad. El fascismo desconfía de la razón y de los intelectuales, al ser el arma que puede desvelar la escasa validez de sus argumentaciones. Para lograr el triunfo sólo hay que obedecer, el lema de Mussolini era “creer, obedecer y combatir”. De manera que todos los individuos deben subordinarse sus intereses al Estado totalitario y sus libertades políticas quedan prohibidas.

- Su filosofía procede, en parte, de la teoría orgánica de la sociedad, según la cual, la sociedad es una especie de organismo vivo en el que cada persona no es más que una célula. De forma que el individuo no puede tener existencia independiente fuera de la sociedad al recibir de ella sus ideas y la propia vida.

- El estado se dedica a manufacturar el pensamiento, a través de la propaganda, alienación del individuo, al que se le restringe la capacidad razonar. La igualdad democrática es rechazada imponiéndose una desigual jerarquizada. Según Ebensteinen el código fascista los hombres son superiores a las mujeres, los soldados a los civiles, los miembros del partido a lo que no lo son, la propia nación a las demás, los fuertes a los débiles, los vencedores de la guerra a los vencidos”.


Tras quedar muy claros sus elementos fundamentales, hay que decir que el fascismo es una dictadura totalitaria, no autoritaria. Además, según Tusell, “el fascismo constituye la visión conservadora del Estado totalitario”. Y para aclarar definitivamente el concepto de fascismo, mencionar a Stanley Payne, que en su Historia del Fascismo, hace una precisa definición del término. Señalando que es “una nueva forma de ultranacionalismo revolucionario que se basa en una filosofía primariamente vitalista, que se estructura en la movilización de las masas, el elitismo extremado y el führer-prinzip [líder total], que da valor positivo a la violencia y tiende a considerar normales la guerra y las virtudes militares”. Califica al fascismo como uno de los dos movimientos políticos más atroces de nuestra época, junto al estalinismo.


En conclusión, Payne señalaba que el fascismo histórico no puede recrearse en las condiciones actuales, pero en el actual siglo XXI bien podríamos ser testigos del surgimiento de nuevas formas de nacionalismo autoritario… Que no pueden ser calificadas de fascistas, término obsoleto en el siglo XXI, serán ultra-nacionalistas totalitarias. No obstante mejor que no exista ningún término para definirlos, ya que eso supondría su ausencia de nuestra sociedad. La continuidad de la utilización del término fascista, me hace pensar lo poco que hemos avanzado, y que continuamos subsistiendo en un mundo dominado por la irracionalidad, que es lo que interesa a los dominadores del mundo…


Aclaración: Es una entrada iconoclasta, la sinrazón no merece imágenes.

viernes, 11 de septiembre de 2009

GOTTHARD - Need To Believe (2009)


Siempre es un placer poder escuchar el nuevo disco de Gotthard, quizás la mejor banda de hard-rock melódico de la actualidad, por lo menos para mí. Unos verdaderos héroes en centro Europa, sobre todo en su Suiza natal, donde son absolutos iconos nacionales. Su primer y homónimo disco data de 1992, y mi hermano fue uno de los pocos que tenía ese disco en España, por lo que los llevo escuchando desde mi adolescencia. Desde ese 1992 no han parado de sacar grandes discos de rock melódico, que nunca llegaron al gran público del rock, a pesar de su extraordinaria calidad. Hasta que en el año 2005 ponen en circulación su magnífico Lipservice, posiblemente su mejor disco, y dan el salto definitivo en popularidad. Temas como Lift U Up se convierten en habituales clásicos de los mejores garitos de hard-rock de Europa y del mundo. Curiosamente su disco más exitoso coincide con su fichaje por Nuclear Blast, la multinacional europea del rock duro, que les coloca donde se merecían desde hace tiempo. Un lugar donde se consolidaron con su posterior Domino Effect, otro verdadero torbellino de hard rock que no quedo indiferente a nadie. A todo esto hay que añadir sus excepcionales directos, donde el grupo muestra su verdadero potencial. Unos directos de los que no podido ser testigo directo, pero creo que esta vez haré todo lo posible para acudir a su concierto del 28 de octubre en la sala Heineken de Madrid.



Con Need To Believe Gotthard dan un paso importante para afianzarse en el trono del rock melódico europeo, al seguir la línea de sus dos anteriores discos, y no obstante manteniendo la misma calidad y emoción. Combinando sus excepcionales melodías, con grandes riffs de guitarra puramente hardrockeros, sus siempre magníficas baladas, todo destilado en absoluto divertimiento para nuestros oídos. De modo que paso a analizar cada tema de forma individualizada:

Shangri La, es el tema elegido, con acierto, para abrir el disco. Con un inquietante inicio y unos magníficos arreglos, el tema se nos muestra como el paradigma del hard rock accesible. Ayudado de un magnífico estribillo, es pura melodía y divertimiento.

Unspoken Words, es uno de mis favoritos. Iniciado con un magnífico riff de puro rock duro, debería ser un absoluto hit mundial. El estribillo es de lo mejor que he oído de Gotthard, con ciertos aires al rock-glam americano. En definitiva, el cenit de su hard rock pegadizo y divertido.

Need To Believe. Tiene un inicio muy suave y aterciopelado, sin embargo va tomando fuerza e intensidad de la mano de otro estribillo marca de la casa, para alucinar sin parar. Destaca la gran voz de Steve Lee, que se nos releva intensa y emocionante.

Unconditional Faith. Estamos ante otro medio tiempo, con ciertos aires en las guitarras del rock americano sureño, no muy habitual en el grupo. Por lo que acaba gustando al ser un corte diferente e inusual.

I Don’t Mind. Es un tema de puro hard rock, con su habitual toque Ac/Dc combinado con su desbordante melodía. Y de nuevo Steve Lee se sale, recordando mucho al gran David Coverlade, con su tono blusero y profundo.

Break Away. Tiene mucha fuerza en las guitarras, sería un tema de rock melódico intenso (a lo Harem Scarem). De nuevo con un excepcional estribillo que dejas de tararear.

Don’t Let Me Down. Es la primera balada de verdad, y qué balada. Acústica y con unos teclados maravillosos, su estribillo se te clava en el cerebro, es verdaderamente emocionante. Con un soberbio Steve Lee que llega a unos tonos sublimes, de las mejores baladas de Gotthard, y eso es mucho decir.

Right From Wrong. Es diferente, con unas guitarras y una actitud mucho más moderna. Son capaces de todo, un temazo de rock duro totalmente actualizado, en la distorsión y en la intensidad del estribillo, desprende mucha energía y vitalidad

I Know, You Know. Es otro medio tiempo lleno de la clase habitual de Gotthard, con un inicio muy Scorpions. Que se rompe con unas pesadas guitarras que se aceleran en el estribillo. Muy pegadiza, otro hit potencial.

Rebel Soul, es un verdadero tema de rock duro y enérgico. De lo mejor del disco, muy divertida y movida, con unas guitarras de Leo Leoni muy atinadas e intensas, y una gran base rítmica, demostrando su enorme calidad como grupo.

Tears To Cry, es otra gran balada 100% Gotthard. Para mí, la voz de Steve es una de las que más trasmite del panorama del rock actual, es profunda e intensa. Un baladón absoluto con unos acertados arreglos, que le impregnan un plus de elegancia.


En definitiva, una vez más, un discazo de hard rock melódico e intenso, con gran sonido. No obstante, de nuevo, no me gusta la portada, todo el buen gusto que tienen componiendo, parecen perderlo al elegir el diseño de portadas. Algo que, desde mi punto de vista, es muy importante ante la situación actual de la música, y su “fácil y no costosa” adquisición. Pero es un mal menor, el disco es inmejorable, y los Gotthrad demuestran que están en un momento de forma excepcional. Esta vez no me los pierdo, nos vemos en la gira gigantes suizos… 9/10


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martes, 1 de septiembre de 2009

Grandes Iconos Universales II: La Ronda de Noche, Rembrandt Van Run (1642)

La Ronda de Noche de Rembrandt Van Run.

El nuevo edificio del cuartel general de la milicia civil de Ámsterdam se concluyó en 1638. La amplia sala del primer piso debía recoger seis grandes cuadros de las compañías de la milicia civil. Rembrandt fue uno de los pintores contratados para la realizar los cuadros de dichas compañías. Realizando una de las obras cimeras de la pintura universal, La Ronda de Noche, el gran cuadro de Rembrandt finalizado en 1642. Representa a la milicia del capitán Frans Banninck Cocq, compañía que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses. Mucho se ha especulado acerca de la naturaleza exacta de este retrato de grupo. El personaje central, que viste de negro con una banda roja que cruza su pecho, es el mencionado Frans Banninck Cocq, quién, probablemente, encargo la pintura.

Los personajes centrales: Capitán y Lugarteniente.

Indicar que Holanda es una republica en un siglo de monarcas absolutos, es una sociedad burguesa de comerciantes y marinos. Un país pequeño de distancias cortas, en el que todo se mide con una escala humana. Por lo que ahondan en el amor hacia lo cotidiano y el detalle nimio de los primitivos flamencos, se detienen en los encantos de la vida cotidiana. Y además el calvinismo imponía la ausencia de imágenes y del tema religioso. A lo que se une que la republica de Holanda todavía no estaba en guerra, pero gradualmente las compañías de la milicia se convirtieron en organizaciones sociales, que defenderían, si fuera necesario, a su ciudad y su país. Esa nueva condición de las milicias hizo que Banninck Cocq, para llamar la atención sobre su nombramiento como capitán, y manifestar su lealtad y su disposición para la lucha, encargara el cuadro.

Comparada con otras representaciones de las compañías de la milicia civil, La Ronda de noche es una obra llena de vida, un retrato que representa un momento concreto, justo después Banninck Cocq da la orden de marcha a su lugarteniente Willem van Ruytenburch, ambos se encuentra en primer plano dando la espalda a su hombres. Los miembros de la compañía, que reaccionan con presteza, acercándose con sus armas (mosquetes, picas y lanzas). Rembrandt revoluciona el retrato de las corporaciones o milicias, tradicionalmente un grupo de personajes estáticos que posan para que se les vea el rostro, y lo convierte en un grupo en movimiento. En una escena relampagueante de luces, en la que destaca el dinamismo del grupo, el realismo de los rostros y las actitudes de todos los personajes, en una sensación de movimiento y de vida muy difícil de superar. Los juegos de luz y sombra (tenebrismo), remarcados aún más por el oscuro colorido de los trajes. Es una muestra de toda la vivacidad, profundidad y el realismo de su pintura. La luz resbala sobre los elementos metálicos, para dar mayor sensación de realismo. Se jacta en la representación de detalles como: banda roja del capitán, la casaca del alférez o el vestido de la niña que aparece al fondo, un detallismo heredado de los primitivos flamencos. La niña es un personaje destacado, el único femenino del retrato, del que luego hablaremos. Las figuras en segundo plano están más difuminadas parece que existe aire y polvo entre las figuras.

La Ronda de Noche, como todos los grandes iconos de la humanidad, contiene un gran simbolismo parcialmente oculto. Destacar:

- El guante sostenido por Banninck Cocq, que contrasta con la deslumbrante iluminación de la niña situada tras de él, dicha iluminación hace resaltar el guante. Algunos ven en esto un símbolo de desafío, el capitán muestra su guante y está dispuesto a desafiar al enemigo inmediatamente. En definitiva un símbolo de que él y su compañía se toman muy en serio la protección de la ciudad.

Guante del Capitán iluminado por la niña.

- El hecho de que el pulgar y el índice de la sombra de Banninck Cocq apunten hacia el león con el escudo de armas de Ámsterdam, cosido en la casaca amarilla de Ruytenburch. Un nimio detalle con el que Banninck Cocq señala que Ámsterdam se encuentra segura gracias a su protección.

Sombra del pulgar y el índice del capitan.

- O la niña, verdadero foco de luz del cuadro, para muchos críticos es el retrato de la primera esposa del pintor, Saskia van Uylenburgh, muerta el mismo año de realización del cuadro.

La niña foco de luz, 1ª mujer de Rembrandt.

Es de nuevo verdadero simbolismo hecho pintura, y un eterno icono histórico reflejo de una época concreta. Al representar a esa Holanda republicana, burguesa, comercial y mercantil. Como demuestra que uno de los hombres representados es el comerciante de tejidos Jan Pieterszoon Bronchorst, prueba de que sólo los ciudadanos acomodados podían formar parte de la milicia, al poder pagarse sus propias armas. Y esos ciudadanos acomodados eran los comerciantes, los burgueses centrados en los negocios. El propio Jan Pieterszoon Bronchorst, declaró que él y otros miembros de la compañía que aparecen en La Ronda de Noche habían pagado a Rembarndt 100 florines cada uno por formar parte del cuadro. De manera que este retrato grupal se convierte en un magnífico reflejo de la sociedad mercantil, urbana y opulenta de la Holanda del siglo XVII.